Жизнь Фриды Кало: искусство, боль и устойчивость

Фрида Кало - одна из самых узнаваемых и почитаемых художников 20-го века. Ее работа, в которой доминируют интенсивные автопортреты, сделала ее глобальной иконой силы, творчества и неповиновения. Спустя более шести десятилетий после ее смерти картины Кало продолжают пленять зрителей не только своей сырой эмоциональной силой, но и тем, как они сплетают личные страдания, культурную идентичность и политические убеждения. Понять ее искусство - это понять женщину, стоящую за ним: человека, который превратил хроническую боль в пожизненное исследование себя, идентичности и стойкости.

Ранняя жизнь и предыстория

Рождение и семья

Магдалена Кармен Фрида Кало и Кальдерон родилась 6 июля 1907 года в Койоакане, небольшом городке на окраине Мехико, который позже стал частью разросшейся столицы. Она выросла в знаменитом «Голубом доме» (La Casa Azul), где она провела большую часть своей жизни и где в конечном итоге умерла. Ее отец, Гильермо Кало, был фотографом немецкого происхождения венгерско-еврейского происхождения, который эмигрировал в Мексику. Ее мать, Матильда Кальдерон, была глубоко религиозной женщиной смешанного испанского и коренных народов. Сочетание европейских и мексиканских традиций позже станет центральной темой в работе Кало.

Фрида была третьей из четырех дочерей. Она была особенно близка с отцом, который поощрял ее интеллектуальное любопытство и учил ценить природу, искусство и фотографию. Собственная борьба Гильермо с эпилепсией и его профессиональная преданность фотографии привили Фриде чувство дисциплины и стойкости, которые перенесли бы ее через огромные трудности.

Полиомиелит и его последствия

В возрасте шести лет Фрида заболела полиомиелитом, болезнью, которая в то время могла быть разрушительной. Хотя она выжила, болезнь оставила правую ногу навечно тоньше левой, и она шла с легкой хромотой. Инвалидность привела к периоду изоляции и издевательств в школе, но это также вызвало что-то в ней. Чтобы компенсировать это, она стала яростно конкурентоспособной, занимаясь такими видами спорта, как бокс, борьба и плавание. Отец поощрял ее заниматься спортом и носить брюки, чтобы скрыть ногу, что было необычно для девочки в начале 20-го века в Мексике. Этот ранний опыт преодоления физических ограничений посеял семена вызывающего, непримиримого отношения, которое она будет проводить в жизни.

Образование и ранние интересы

Кало была превосходным студентом. В 1922 году она поступила в престижную Национальную подготовительную школу (]Escuela Nacional Preparatoria) в Мехико, одна из немногих девушек, сделавших это. Она изучала предметы, включая биологию, литературу и медицину, и изначально намеревалась стать врачом. Именно в этой школе она впервые столкнулась с известным мексиканским фресочником Диего Риверой, который тогда рисовал фреску в кампусе школы. Эта встреча позже стала основой для одного из самых известных художественных партнерств в истории. В эти годы Кало также стал политически осведомленным, присоединившись к группе левых студентов, которые выступали за социальную справедливость и мексиканский национализм.

Ее интерес к искусству органично рос в подростковом возрасте, но это еще не было серьезным преследованием. Она регулярно рисовала, заполняя тетради портретами и сценами из повседневной жизни. Ее ранние работы уже показывали признаки прямого, нефильтрованного стиля, который определял бы ее более поздние картины. Однако только катастрофическое событие изменило ход ее жизни, что она полностью обратится к живописи как к своему основному способу выражения.

Основные жизненные события и вызовы

Автобусная авария, которая изменила все

17 сентября 1925 года, когда ей было 18 лет, Фрида Кало ехала на автобусе домой из школы, когда машина столкнулась с трамваем. Авария была катастрофической. Стальной поручни пронзил ее тело, разломав позвоночник в нескольких местах, раздробив таз и разломав ей ключицу, ребра и ногу. Она перенесла более 30 крупных операций в течение своей жизни, и она жила с постоянной болью, рецидивирующими инфекциями и долгосрочной неспособностью выносить детей. Авария оставила ее прикованной к постели на месяцы и заставила ее противостоять собственной смертности в очень молодом возрасте.

Во время долгого выздоровления Кало начала рисовать всерьез. У ее матери был специальный мольберт, сделанный так, чтобы она могла работать, лежа в постели, и над ней было помещено зеркало, чтобы она могла смотреть на себя. Это было рождение ее неустанного автопортрета. Как она позже сказала: "Я рисую автопортреты, потому что я так часто один, потому что я человек, которого я знаю лучше всего". Авария стала центральной травмой ее жизни, но она также стала катализатором ее искусства. Ее первый автопортрет, написанный в 1926 году, показывает красивую молодую женщину с длинной, аристократической шеей и торжественным выражением. Это был первый из многих образов, в которых она исследовала отношения между ее физическим телом и ее душой.

Встреча с Диего Риверой и брак

В 1928 году, после того, как она достаточно восстановилась, чтобы двигаться, Кало воссоединился с Диего Риверой, который к тому времени был самым известным художником Мексики. Она показала ему некоторые из своих работ, и Ривера был немедленно впечатлен ее талантом и ее уникальным видением. Они начали отношения и поженились в 1929 году, несмотря на то, что Ривера был на 20 лет старше и известен своими многочисленными делами. Их брак был знаменитым бурным, отмечен страстной любовью, взаимным художественным восхищением и глубоким предательством. У обоих были отношения; Ривера с другими женщинами (включая собственную сестру Кало Кристину) и Кало с мужчинами и женщинами, в первую очередь с революционером Львом Троцким, который остался с ними в Койоакане в 1937 году.

Брак глубоко повлиял на творчество Кало. Она начала перенимать некоторые политические и художественные идеи Риверы, но ее стиль оставался чрезвычайно личным. Она рисовала боль измены, тоску по детям (она перенесла несколько выкидышей) и сложную динамику ее отношений с Риверой. Их дом, в который они переехали в 1934 году, состоял из двух отдельных домов, соединенных мостом, символизирующих их независимую, но переплетенную жизнь. Несмотря на их трудности, Ривера оставался одним из самых сильных сторонников Кало, и он признал ее гений задолго до того, как это сделал международный художественный мир.

Упадок здоровья и повышение независимости

На протяжении 1930-х и 1940-х годов здоровье Кало продолжало ухудшаться. Она перенесла многочисленные операции на позвоночнике и ноге, часто проводя месяцы в больницах или в постели. Ее боль стала центральным предметом многих картин — таких как Сломанная колонна (1944) и Без надежды (1945)] используют висцеральные, почти непоколебимые образы для изображения пережитых страданий. Несмотря на физические мучения, Кало продолжала рисовать, путешествовать и преподавать. В 1943 году она приняла должность профессора в недавно основанной Школе живописи и скульптуры (известной как «La Esmeralda») в Мехико. Когда ее здоровье помешало ей пойти в школу, она проводила занятия у себя дома, где вокруг нее собралась группа преданных учеников («Фридос»).

Она развелась с Риверой в 1939 году, только чтобы выйти за него замуж через год, и стала более политически активной. Она присоединилась к мексиканской коммунистической партии и участвовала в протестах и культурных мероприятиях. Ее искусство стало получать больше признания за пределами Мексики, особенно в Соединенных Штатах, где у нее была персональная выставка в Нью-Йорке в 1938 году и еще одна в 1940 году. Сюрреалистическое движение, которое уже обратило внимание на ее работу, отметило ее как одну из своих, хотя сама Кало сопротивлялась лейблу. «Я никогда не рисовала мечты», сказала она. «Я рисовала свою собственную реальность».

Художественный стиль и темы

Автопортрет как средство достижения истины

Примерно треть из 143 картин Кало — автопортреты. В каждой она предстает прямым, непоколебимым взглядом, который бросает вызов зрителю увидеть её такой, какой она видит себя. Её часто изображают на фоне бесплодных пейзажей, тропической листвы или символических элементов, таких как обезьяны, попугаи, шипы и вены. Эти символы не декоративны; они несут глубокий смысл. Обезьяны, например, были символом похоти и плодородия в мексиканской мифологии, но в работах Кало они часто представляют детей, которых она не могла иметь. Торны и раны представляют её физическую боль, а корни и лозы привязывают её к земле и её мексиканскому наследию.

Ее автопортреты автобиографичны в самом буквальном смысле. В Двух Фридас (1939), написанной после развода с Риверой, она изображает две версии себя, сидящей рядом, держась за руки. Одна Фрида носит платье европейского стиля и имеет разбитое сердце; другая носит традиционный костюм Теуаны и имеет неповрежденное сердце. Картина отражает раскол личности, которую она чувствовала как женщина смешанного происхождения, как человек, пойманный между ее любовью к Ривере и ее потребностью в независимости, и как художник, чья боль подпитывала ее работу.

Мексиканская идентичность и народное искусство

Кало сознательно культивировала мексиканскую идентичность как в своей внешности, так и в своем искусстве. Она начала носить традиционную одежду региона Теуантепек в Оахаке: длинные красочные юбки, вышитые блузки и сложные головные уборы. Это было больше, чем заявление о моде; это было политическим. После Мексиканской революции (1910-1920) страна испытала всплеск национализма, и художники, такие как Ривера и Кало, были в авангарде продвижения местной культуры. Картины Кало часто включают ссылки на доколумбовые артефакты, ацтекскую мифологию и католические народные традиции. Она использовала яркие, яркие цвета, вдохновленные мексиканским народным искусством, и она часто рисовала небольшие работы на олове или масонете, техника, заимствованная из картин экс-вото (религиозные народные предложения).

Ее глубокая связь с мексиканской культурой очевидна в таких работах, как «Автопортрет на границе между Мексикой и Соединенными Штатами» (1932), где она стоит на пограничном камне, одной ногой в Мексике (земля плодородия, традиций и естественной красоты), а другой в Америке (земля промышленных машин, небоскребов и загрязнения).

Боль, страдания и человеческое тело

Самая определяющая тема работы Кало — боль — эмоциональная, физическая и психологическая. Она не стеснялась показывать свое тело в состоянии повреждения или распада. Сломанная колонна показывает ее раздробленную туловище, чтобы показать рассыпающийся каменный столб вместо позвоночника; ее кожа покрыта ногтями, и она держится вместе хирургическим корсетом. Это жестоко честное изображение хронической боли, которую она получила от травм спины. Больница Генри Форда (1932), она лежит на больничной койке, кровоточащей после выкидыша, окруженная символическими объектами: плод, улитка (представляющая собой медленный ход времени) и тазовая кость. Картина сырая, неокрашивающая и глубоко личная.

Но лечение боли Кало - это не только страдание, это выносливость. Она представляет себя выжившей, с достоинством переносящей свои раны. Ее подданные часто остаются сочиненными, почти стоическими, даже когда их тела разрываются. Это напряжение между хрупкостью и силой делает ее работу такой мощной. Она берет свою боль и превращает ее во что-то, что говорит о универсальном человеческом опыте потери, желания и настойчивости.

Последующие годы и заключительные работы

В 1950-х годах здоровье Кало ухудшилось до такой степени, что она уже не могла рисовать с такой же частотой. Она перенесла серию операций на позвоночнике, кульминацией которых стала операция 1953 года, оставившая ее в инвалидном кресле. В августе того же года из-за гангрены ей ампутировали правую ногу ниже колена. Она стала глубоко подавленной, но продолжала работать, когда могла. Ее дневник, который она вела последние десять лет жизни, показывает женщину, борющуюся с отчаянием, но все еще борющуюся за создание.

Ее последняя крупная работа, Viva la Vida, Арбуз (1954), представляет собой натюрморт нарезанных арбузов с фразой «Viva la Vida», написанной на одном из ломтиков. Картина представляет собой яркое празднование жизни, полное красных, зеленых и желтых цветов. Она резко контрастирует со страданиями, которые она переживала, и это служит окончательным свидетельством ее стойкости. Кало умерла 13 июля 1954 года в возрасте 47 лет. Официальная причина смерти была легочной эмболией, хотя многие биографы предположили, что она, возможно, покончила с собой. Независимо от того, правда ли это, она оставила после себя тело работы, которое обеспечило ее бессмертие.

Наследие и влияние

Феминистская икона LGBTQ+

За десятилетия, прошедшие после её смерти, Фрида Кало превратилась в глобальную культурную икону. Её отмечают как феминистскую фигуру, которая отказалась соответствовать традиционным гендерным ролям, которая без стыда выражала свою физическую и эмоциональную реальность, и которая прожила свою жизнь на своих условиях. Её открытая бисексуальность и неповиновение общепринятым стандартам красоты сделали её героем сообщества ЛГБТК+. Образ её распущенности, усов и её свирепый взгляд стал символом несоответствия и самопринятия.

Влияние на современное искусство

Влияние Кало на современное искусство огромно. Ее подход к автопортрету и автобиографии проложил путь для художников, которые исследуют идентичность, травму и тело. Такие художники, как Трейси Эмин, Ана Мендиета, Синди Шерман и Нан Голдин, признали долг перед непоколебимой честностью Кало. Ее работа также резонирует с художниками Чикано и другими, которые исследуют мексикано-американскую идентичность. На самом деле, она стала настолько знаковой, что ее образ часто коммерциализируется - найден на футболках, кофейных кружках и сумках для тота - но под коммодификацией лежит настоящее художественное наследие, которое продолжает вдохновлять.

Голубой дом и музеи по всему миру

После ее смерти Ривера пожертвовала пожизненный дом Кало, Голубой дом в Койоакане, мексиканскому правительству. Он открылся как Музей Фриды Кало в 1958 году. Сегодня это один из самых посещаемых музеев в Мехико, демонстрирующий ее картины, фотографии, личные вещи и студию, где она создала многие из своих шедевров. Туристы со всего мира приезжают, чтобы прогуляться по двору, полюбоваться коллекцией доколумбовых артефактов и увидеть ее прикованный к постели мольберт, а также урну, которая содержит ее прах.

Ее работы также проводятся в крупных международных коллекциях, включая Музей современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке, который содержит одну из ее самых известных работ, Самопортрет с вырезанными волосами (1940). Национальная галерея искусств в Вашингтоне, округ Колумбия также имеет значительную коллекцию.В 2021 году выставка в Бруклинском музее под названием «Фрида Кало: Внешние проявления могут быть обманчивыми» подчеркнула ее личный стиль и то, как она использовала одежду для создания своей идентичности.

Непрерывный символ устойчивости

Возможно, самая мощная часть наследия Кало - это ее способность говорить с людьми разных культур и поколений. Ее история - женщина, которая превратила невообразимые физические и эмоциональные страдания в красивое, болезненное и глубоко человеческое тело - продолжает резонировать. Она напоминает нам, что искусство может быть способом пережить худшее, что бросает в нас жизнь. В мире, который часто требует гладких поверхностей и счастливых концов, неумолимое самоанализ Фриды Кало стоит как памятник истине. Она не была идеальной, и она не притворялась. Именно поэтому мы все еще смотрим на ее лицо - во всей ее уязвимости и неповиновении - и видим себя.