Celui qui a tout changé

Le moment où un orgue Hammond entre dans une piste, les changements de temps. L'air devient plus lourd. La pièce se sent différente. Peu d'instruments portent autant de poids émotionnel et culturel que le son de la roue à ton Hammond. C'est le son de la sanctification du dimanche matin et de l'abandon du samedi soir.

Son origine, cependant, n'avait rien à voir avec l'âme. Né d'un tableur d'ingénieur et d'un besoin économique de l'ère de la dépression, l'orgue Hammond a été conçu comme un substitut pragmatique. Qu'il est devenu la voix de l'extase spirituelle et le funk profond est une histoire de génie involontaire, de précision technique, et la créativité implacable des musiciens qui ont refusé de le traiter comme un compromis.

La Genèse : Laurens Hammond et le modèle A

En 1935, Laurens Hammond n'était pas musicien. Il était inventeur et ingénieur titulaire de brevets sur les systèmes de projection de films silencieux, les horloges électriques et un appareil de film 3D. Sa société, la Hammond Clock Company, était confrontée à une menace réelle: le marché de l'horloge électrique s'effondre sous la concurrence. Hammond avait besoin d'un nouveau produit. Il a tourné son attention sur l'industrie des organes de pipe, qui était cher, lourd d'entretien, et largement inaccessible aux petites églises et aux ménages de la classe moyenne.

La solution de Hammond était l'orgue Model A. Au lieu de milliers de tuyaux nécessitant de vastes chambres acoustiques, il utilisait 91 roues à tonalité électromagnétique. Il s'agissait de disques en acier usinés avec précision tournant à des vitesses constantes près des pick-up magnétiques, générant des signaux électriques purs qui pouvaient être amplifiés par un haut-parleur. L'instrument était compact, autonome et coûtait 1 250 $ au lancement et mdash; environ 25 000 $ aujourd'hui.

Le modèle A a commencé à être expédié en avril 1935. Il a immédiatement été confronté à la résistance de l'établissement d'organes de pipe, qui a demandé à la Federal Communications Commission d'interdire la radiodiffusée à Hammond, en faisant valoir que sa méthode de production électrique constituait un « brouillage radio ». Les batailles juridiques ont retardé l'adoption plus large, mais elles ont aussi généré de la publicité.

La clé de son potentiel musical réside dans le système de timon. Contrairement à un orgue à pipe avec des enregistrements fixes, le Hammond a permis au joueur d'ajuster en permanence le contenu harmonique du son en tirant ou en poussant neuf tiges métalliques. Cela a créé une palette infinie de couleurs tonales.

Architecture technique : Tonewheels, Drawbars et l'effet Leslie

Pour comprendre pourquoi l'orgue de Hammond est devenu si profondément ancré dans l'évangile et l'âme, il faut comprendre comment il a produit le son. Le système s'est appuyé sur la synthèse additive et mdash; construire des tons complexes en combinant de simples ondes sinusoïdales.

Le générateur de roues à roues

La roue à tons est un petit disque en acier avec un nombre spécifique de bosses ou de dents usinées dans son bord. Le disque tourne devant un aimant à barre permanente enveloppé d'une bobine de fil. Lorsque les dents passent l'aimant, elles perturbent le champ magnétique, induisant un courant alternatif dans la bobine à une fréquence spécifique. La vitesse du disque et le nombre de dents déterminent le pas. Un ronflement de 60-hertz du moteur synchrone a conduit le générateur à une vitesse précise, et le système a été verrouillé à la fréquence du réseau électrique. Cela a rendu le réglage stable, mais cela a également signifié que toute fluctuation dans la tension de la ligne AC pourrait déplacer le pas.

Le générateur de roues à tons produit des ondes sinusoïdales pures. La richesse et la morsure du son Hammond proviennent du mélange de ces tons purs à l'aide des timonnières.

Le langage des barres d'appui

Le manuel supérieur et le manuel inférieur du Hammond avaient chacun neuf timonnières, et le pédalier en avait deux. Ces timonnières correspondaient à différents intervalles harmoniques par rapport au pas fondamental. La configuration standard du timon était marquée 16', 5 1/3', 8', 4', 2 2/3', 2', 1 3/5', 1 1/3', et 1'. Le timon de 8' a produit le tangage fondamental. Le 16' a produit une octave ci-dessous. Le 4' a produit une octave au-dessus. Les autres timoniers ont produit divers harmoniques supérieurs et sous-harmoniques.

Les organistes de l'Évangile et de l'âme ont développé des enregistrements de timon spécifiques qui sont devenus du vocabulaire standard. Le son « orgue complet » et le son « mdash »;888000000—était puissant et agressif. L'enregistrement « pasteur » et le mdash;808008800— avait une qualité de chant creuse. Le son « gras » et le son « mdash;888888888— a poussé l'amplificateur à la saturation et a produit le surentraînement grogneur qui a défini Jimmy Smith et Booker T. Jones. Les joueurs ont mémorisé leurs réglages et pourraient les changer au milieu d'une phrase en atteignant le clavier et en tirant les tiges.

Le Président Leslie : 50 pour cent du son

L'orgue Hammond seul est un son pur et direct. L'âme vient d'un haut-parleur rotatif inventé par Don Leslie. Leslie était un concurrent de Hammond qui a reconnu que l'enceinte fixe ne reproduit pas le mouvement spatial de l'air dans une chambre d'orgue de pipe. Il a conçu une armoire contenant un rotor de basse tournante et une corne de trébuche tournante. L'effet Doppler créé par les sources sonores mobiles a produit un vibrato riche et changeant et le tremolo.

Hammond a d'abord poursuivi Leslie pour contrefaçon de brevet et perdu. Les deux sociétés ont finalement conclu un accord de licence, mais le haut-parleur Leslie n'a jamais été un produit officiel Hammond pendant de nombreuses années. Musicians les a achetés séparément et les a directement filés à la sortie de l'enceinte de l'orgue. Les Les Leslie sont devenues essentielles.

Les consoles de l'âge d'or: B3, C3 et la série Portable M

Bien que les numéros de modèle soient souvent utilisés de façon interchangeable, il y avait des différences distinctes. Le Hammond B3, introduit en 1955, est devenu le modèle le plus recherché. Il était assis dans un cabinet à quatre pattes avec des côtés déroulants et une face en bois sculpté. Le C3 était pratiquement identique à l'intérieur mais logé dans un cabinet plus orné de style église avec un panneau avant solide.

Ce qui a fait du B3 et du C3 la norme de l'évangile et de l'âme était l'ajout de clics et de percussions clés. Le préamplificateur à tube dans ces consoles a créé une attaque percussive subtile quand une clé a été pressée. Cette attaque, combinée aux deuxième et troisième arrêts de percussions harmoniques, a permis à l'orgue de couper à travers un groupe fort.

Les instruments étaient lourds. Un B3 complet avec un cabinet Leslie 122 pesait environ 500 livres. Le déplacement était une épreuve physique. Les musiciens de l'Évangile ont développé une culture de chargement d'organes dans des wagons de gare et des camionnettes après le service du dimanche pour jouer des concerts de club de nuit lundi. La logistique de déplacer un Hammond est devenu un rite de passage.

Le Hammond dans la musique évangélique : de Storefront à la scène mondiale

L'adoption de l'orgue Hammond par les églises pentecôtistes et baptistes africaines dans les années 1940 et 1950 était un mariage de nécessité et d'invention. Les organes de pipe étaient chers et exigeaient un espace dédié. L'orgue Hammond était portable, abordable, et assez fort pour remplir un sanctuaire sans une installation acoustique massive.

L'adoption précoce et l'église du front de la boutique

Les petites églises de Chicago, Detroit et Los Angeles sont devenues les laboratoires où le style d'orgue gospel a été forgé. Il n'y avait pas de pédagogie formelle. Les joueurs formés sur les pianos et simplement transféré leur connaissance harmonique à l'orgue. Ils ont découvert que le système de timon leur a permis d'imiter la voix humaine. Un orgue solo pouvait fournir des lignes de basse, l'accompagnement d'accord, et s'envoler mélodique remplit tout à la fois.

Le son de l'intensité spirituelle

Les joueurs ont utilisé les pédales de basse pour créer des lignes de marche ou des motifs répétitifs verrouillés. La main gauche souvent remplie d'accords au-dessus de la basse, tandis que la main droite jouait des mélodies dans des octaves ou des accords de blocs lourds. L'utilisation de glissando—une diapositive rapide sur les clés—est devenu une marque. Sur un piano, un glissando peut être mince. Sur un Hammond avec des timons pleins et un Leslie à vitesse rapide, un glissando a produit un son rugissant et déchirant qui a marqué un point culminant dans le service.

Pioneers: Dorsey, Jackson et les étoiles de l'Évangile

Thomas A. Dorsey, souvent appelé le père de la musique gospel, jouait du piano et de l'orgue et écrivait des normes comme «Take My Hand, Precious Lord». Mahalia Jackson a enregistré avec Hammond l'accompagnement, et sa voix est devenue synonyme de la capacité de l'instrument à soutenir de longues lignes chargées émotionnellement. Clara Ward et les Ward Singers ont utilisé le Hammond pour créer un son sophistiqué et dur qui a influencé directement l'âme laïque et R&B.

La première véritable superstar de l'orgue gospel fut James Cleveland. Cleveland construisit le « son de l'ospel » autour du Hammond, assemblant des choeurs massifs et utilisant l'orgue comme ancre rythmique et harmonique. Ses enregistrements des années 1960 et 1970 présentent le Hammond dans son habitat naturel : pousser un choeur, remplir les espaces entre les phrases, et fournir la libération émotionnelle d'une modulation clé.

De l'Église au Club : le Hammond in Soul et R&B

La musique séculière empruntée directement à l'approche évangélique. Beaucoup des organistes qui jouaient dans les églises pentecôtistes dimanche étaient les mêmes musiciens qui jouaient dans les salles de danse et les joints de juke vendredi et samedi. Ils apportaient les mêmes réglages de timon, les mêmes modèles de basse de gauche, et la même attaque glissando-héavy à la musique laïque.

Booker T. Jones et le M3

Booker T. Jones a enregistré "Green Onions" en 1962 sur un Hammond M3, un modèle de maison compact. Le morceau est l'instrumental de l'orgue de l'âme. Le riff d'ouverture est simple, mais le son est incomparable. Jones a utilisé un enregistrement propre et poinçonné avec les Leslie à vitesse lente, créant une rainure hypnotique et grasse. "Green Onions" a prouvé que le Hammond pouvait diriger un groupe instrumental sans une section de corne ou un chanteur.

Jimmy Smith et Soul-Jazz

Jimmy Smith est le musicien qui a élevé le Hammond B3 à un instrument solo dans le jazz et l'âme. Smith a été fortement influencé par les organistes gospel et par les klaxons bebop, notamment Charlie Parker. Il a développé une technique de jouer la ligne de basse avec ses pieds sur le pédalier tout en se tenant avec sa main gauche et en solo avec sa droite.

Les enregistrements de la Blue Note de Smith des années 1950 et 1960, y compris "Le Sermon!" et "Retour au Chicken Shack", ont directement fusionné l'harmonie évangélique avec le bop dur. Son impact a été immense. Il a engendré une génération d'organistes dont Jack McDuff, Jimmy McGriff, et Charles Earland, qui a porté l'hybride gospel-soul-jazz dans les années 1970.

Le Hammond dans le groupe de l'âme

Au milieu des années 1960, le Hammond était un élément standard dans l'instrumentation de la bande de soul. Ray Charles jouait lui-même de l'orgue et l'a présenté en bonne place dans ses arrangements. Aretha Franklin était pianiste d'abord, mais ses premiers enregistrements sur Columbia ont été présentés par Hammond, et son père était un ministre éminent de Detroit qui a accueilli régulièrement des organistes de l'évangile.

Les groupes de James Brown avaient toujours un organiste. L'instrument fournissait le lit du son qui permettait au reste du groupe de se verrouiller dans le rythme dur. Plus tard funk, le Hammond était souvent utilisé en courtes explosions percussives plutôt que des accords soutenus, reflétant le vocabulaire rythmique serré du genre.

Déclin technique et renouveau numérique

Les années 1970 étaient peu aimables pour le chanfrein Hammond. L'instrument était lourd, coûteux à entretenir et nécessitait une amplification spécialisée. Les synthétiseurs et les organes combo portables comme le Vox Continental et Farfisa étaient plus légers et plus faciles à garder à l'écoute. Hammond lui-même a déménagé dans des modèles à base de transistors comme les X-5 et la série L-100, qui n'avaient pas la complexité tonale et le clic-clé des modèles de chanfrein. Au début des années 1980, le B3 classique était largement hors de production, et beaucoup ont été relégués dans des salles de stockage ou vendus pour des pièces.

Échantillonnage et clone numérique

Au départ, la technologie numérique ne pouvait pas reproduire efficacement le son Hammond. La complexité de l'interaction de la roue tonale, la non-linéarité du préampli de tube, et la rotation acoustique de l'enceinte Leslie étaient au-delà de la mémoire et de la puissance de traitement des premiers claviers numériques.

Le Vieux Revival

Les années 1990 ont fait ressurgir les musiciens de la scène jazz acide britannique, le Quatuor James Taylor, Corduroy et Galliano, qui ont découvert le Hammond comme le cœur de leur son. Aux États-Unis, des groupes de jam comme Medeski Martin & Wood ont présenté l'œuvre virtuose B3 de John Medeski. Soulive, dirigée par l'organiste Neal Evans, amenait le Hammond dans le hip-hop influencé le réveil de l'âme instrumentale.

Des techniciens spécialisés comme Ken Rich à Los Angeles et B3 Pete au Royaume-Uni ont construit des entreprises autour de maintenir les Hammonds vintage opérationnels. L'avènement des Hammond Suzuki loisirs numériques a fourni une alternative plus légère et plus fiable pour les musiciens itinérants, tandis que des clones matériels comme le Clavia Nord Electro ont rendu l'orgue du timon accessible à un marché plus large.

L'héritage et l'influence durable

L'orgue Hammond reste le son définitif de l'âme et de l'évangile. Aucun synthétiseur ou échantillon numérique n'a complètement remplacé le sentiment d'air se déplaçant à travers une armoire Leslie. L'instrument commande le respect. Il est imprévisible. Il exige un effort physique. L'action clé est lourde. Les pédales sont raides. Le temps de réchauffage est significatif. Pourtant, pour ceux qui apprennent à le contrôler, le Hammond offre une gamme d'expressions inégalée par n'importe quel clavier.

Jason "J-Rod" Saint-Vil et Cory Henry (de Snarky Puppy et de l'Evangile de Cory Henry) représentent une nouvelle génération. Le solo d'Henry sur "Lingus" (Snarky Puppy, 2015) était un événement viral, démontrant que le B3 pouvait encore commander un public mondial. Henry a été élevé à Brooklyn dans une église pentecôtiste et son style est solidement enraciné dans la tradition évangélique de Thomas A. Dorsey et James Cleveland, mis à jour avec des sensibilités harmoniques modernes et la vitesse technique de chute des mâchoires.

Dans l'âme séculaire, le Hammond est revenu comme un signifiant de l'authenticité. Des artistes comme Anderson .Paak, Leon Bridges, et Shannon & The Clams présentent l'orgue fortement dans leurs arrangements. L'instrument fournit chaleur et profondeur que la production numérique manque souvent. C'est le son d'une pièce réelle, un moment réel, et une performance réelle.

L'orgue Hammond n'est pas une pièce de musée. C'est une technologie vivante. Le générateur de roues tonales est une merveille de l'ingénierie électromécanique, mais la musique qu'il produit est purement émotionnelle. Il provient d'un étage d'usine à Chicago, mais il a trouvé sa maison dans l'église, le club, et le monde. Son histoire est un rappel que les outils les plus puissants ne proviennent pas de l'intention de créer de l'art, mais de la nécessité pratique de faire un son qui atteint l'arrière de la pièce et les profondeurs du cœur.