Débuts et racines autochtones

Le cinéma australien ne commençait pas par une caméra. Bien avant que le premier film ne soit exposé, les peuples autochtones du continent, autochtones et insulaires du détroit de Torres, racontaient des histoires depuis plus de 60 000 ans. Ces récits, transmis par les traditions orales, les lignes de chant, la danse et l'art rock, formaient une culture sophistiquée de contes qui prédaignait l'histoire écrite. Le Dreamtime, ou le Dreaming, fournissait un cadre spirituel qui reliait la création, la loi et l'identité, en intégrant le récit au fond de la terre elle-même.

Le premier film enregistré en Australie a été capturé en 1896 par le cinégraphe français Marius Sestier, quelques mois seulement après les démonstrations publiques des frères Lumière à Paris. Sestier a filmé des scènes locales à Sydney, la procession du jubilé de la Reine, des courses de chevaux à Randwick et des courses de surf à Manly Beach, sous la commande du distributeur australien John Norton. Ces premières réalités, comme on les appelait, ont introduit le public dans la nouveauté des images animées et ont créé la fascination de longue date du pays pour capturer sa propre image.

Les premiers films ethnographiques, comme ceux de Baldwin Spencer et Francis J. Gillen en 1901, documentent des cérémonies et la vie quotidienne dans le centre de l'Australie. Bien que ces disques aient une valeur historique, ils reflètent également le regard colonial de leur époque. Il faudrait des décennies pour que les voix autochtones reprennent leurs propres récits, un mouvement qui continue de remodeler le cinéma australien aujourd'hui.

Principales étapes du film :

  • 1896 : Marius Sestier tourne les premiers films en Australie.
  • 1900: Le Kinematographe australien fait ses débuts comme la première société de production cinématographique du pays.
  • 1906: L'histoire du Gang Kelly, le premier long métrage narratif du monde, est sorti.

L'ère silencieuse et la formation de l'identité nationale

L'ère du cinéma muet en Australie s'étendait environ de 1900 à 1930 et produisait plus de 1 500 films. Cette période était cruciale pour forger une identité nationale distincte à l'écran. L'Australie a fait de vastes paysages inexplorés – l'Outback, la brousse, les falaises côtières – des personnages à part entière, contrastant fortement avec les productions en studio d'Hollywood et d'Europe.

The most significant film of this era was The Story of the Kelly Gang (1906), directed by Charles Tait. Running at over an hour, it is widely recognized as the world’s first feature-length narrative film. The movie depicted the life of outlaw Ned Kelly, a figure who had become a folk hero to many Australians for his defiance of British colonial authority. Despite the film’s historical importance, only a fragment survives today—part of the collection held at the National Film and Sound Archive of Australia. Its release sparked a cycle of bushranger films, including Robbery Under Arms (1907) and Captain Midnight (1908), but also led to government censorship after authorities deemed the glorification of outlaws a threat to public order.

Dans les années 1910, et particulièrement pendant la Première Guerre mondiale, le cinéma australien commença à refléter le sens croissant du militarisme et du patriotisme. Des films comme Le Bloke sentimental (1919), basé sur les poèmes populaires de C. J. Dennis, offraient une vision plus douce et plus sentimentale de la vie australienne, mettant l'accent sur l'esprit larkinien et les luttes ouvrières. Le réalisateur Raymond Longford, l'une des figures les plus influentes de l'époque silencieuse, produisit une série de films mettant l'accent sur les personnages et les milieux authentiques australiens.

L'époque silencieuse a également vu la montée des femmes dans la production cinématographique australienne. Lottie Lyell, une actrice, écrivaine et rédactrice polyvalente, a été une collaboratrice clé avec Longford, co-écrite et joue dans plusieurs de ses films. Sa contribution à Le Sentimental Bloke, y compris la co-écriture avec Longford, a été exceptionnelle pour son temps.

L'industrie cinématographique australienne a toutefois dû faire face à des défis croissants dans les années 1920. L'essor d'Hollywood, soutenu par un puissant système de distribution, a inondé les écrans australiens de contenu américain. La production locale a fortement diminué : à la fin de l'ère silencieuse, moins de 10% des films exposés en Australie ont été réalisés localement. L'introduction du son à la fin des années 1920 a encore perturbé l'industrie, les producteurs se brouillant pour s'adapter à la nouvelle technologie.

Croissance après la guerre et reconnaissance internationale

Après la Seconde Guerre mondiale, le cinéma australien connaît une résurgence lente mais significative. La guerre elle-même a stimulé la production documentaire par l'intermédiaire de la Commonwealth Film Unit (plus tard Film Australie), qui produit de la propagande et des films d'entraînement. Des réalisateurs comme Ken G. Hall et Charles Chauvel ont gardé la flamme du cinéma narratif vivant pendant les années maigres des années 1930 et 1940. Halls Forty Thousand Horsemen (1940), un film de guerre sur le cheval de lumière australien en Palestine, est un succès commercial, tandis que Chauvels Jedda (1955) devient un film de référence pour plusieurs raisons.

Jedda est le premier film australien tourné en couleur et le premier à présenter une distribution autochtone dans des rôles de premier plan. Réalisé par Charles Chauvel et coécrit avec sa femme Elsa Chauvel, le film raconte l'histoire d'une fille autochtone élevée par une famille blanche, déchirée entre deux mondes. Bien que critiqué aujourd'hui pour sa perspective paternaliste et coloniale, Jedda a été un jalon dans sa tentative de présenter des personnages autochtones avec un certain degré d'agence et de complexité.

Les années 1950 ont également vu la montée de la comédie -flynn, ou -ocker, caractérisée par des films comme sur la plage (1959), qui était en fait une production américaine tournée à Melbourne, mais qui mettait les sites australiens sur la carte mondiale. Plus authentiquement Australien étaient les œuvres de Chips Rafferty, un acteur-producteur plus grand que la vie dont les films tels que Les Sundowners[ et Wake in Fright (1971) ont contribué à maintenir une culture cinématographique locale. Wake in Fright, dirigé par Ted Kotcheff, était un thriller psychologique qui choquait les publics avec sa représentation brute de la masculinité extérieure; il languissait dans l'obscurité pendant des décennies avant d'être restauré et d'obtenir le statut de chef d'œuvre culte d'Ozploitation.

L'appui du gouvernement est devenu crucial pendant cette période. La création de l'Australian Film Development Corporation en 1970 (plus tard la Australian Film Commission, maintenant Screen Australia) a fourni la base financière pour une nouvelle génération de cinéastes.

Faits marquants de l'après-guerre:

  • 1955: Jedda devient la première fonction de couleur australienne.
  • 1960 : Commonwealth Film Unit produit des documentaires influents sur la vie australienne.
  • 1970 : La Société australienne de développement du film a été créée, ce qui a donné naissance à un renouveau.

La nouvelle vague australienne et la percée mondiale

La période 1970-1980 est connue sous le nom de New Wave australienne, une renaissance qui a vu un flot de films innovants et extrêmement acclamés. Ce mouvement a été animé par une combinaison de facteurs : un financement gouvernemental généreux, une cohorte de réalisateurs talentueux formés dans les écoles de cinéma nouvellement établies, et une volonté culturelle d'explorer l'identité nationale au-delà du mythe de la brousse.

Peter Weir est apparu comme la figure de leader de la Nouvelle Vague avec des films comme Picnic at Hanging Rock (1975), un mystère hantant sur la disparition des écolières en 1900, et Gallipoli (1981), un récit émouvant de la campagne de la Première Guerre mondiale qui a mis en vedette un jeune Mel Gibson. Weir , les films ont été célébrés pour leur poésie visuelle, tension atmosphérique, et un engagement profond avec l'histoire et le paysage australiens. Picnic at Hanging Rock, en particulier, est devenu une sensation internationale de maison d'art, cimentant la réputation de l'Australie comme source de contes cinématographiques distinctifs.

George Miller a pris un chemin différent. Son premier long métrage, Mad Max (1979), était un thriller fin, cinétique, post-apocalyptique tourné sur un budget de chaussures qui est devenu un phénomène mondial. La franchise, qui comprend The Road Warrior et Mad Max: Fury Road (2015), a défini le genre -Ozploitation et influencé le cinéma d'action à l'échelle mondiale.

Parmi les autres directeurs clés de la Nouvelle Vague, on peut citer Bruce Beresford (Breaker Morant, 1980), Gillian Armstrong (Ma brillante carrière[, 1979), et Fred Schepisi (Le Chant de Jimmie Blacksmith, 1978).Armstrongs Ma brillante carrière a été un repère pour le cinéma féministe australien, racontant l'histoire d'une jeune femme dans les années 1890 qui refuse de se conformer aux attentes de la société.

Définition des caractéristiques de la nouvelle vague:[

  • L'accent est mis sur l'histoire australienne et les questions sociales (classe, sexe, race).
  • Superbe cinématographie du paysage, belle et dangereuse.
  • Des performances fortes d'acteurs comme Jack Thompson, Helen Morse et Mel Gibson.
  • Intégration des perspectives autochtones, bien que souvent encore par des cinéastes non autochtones.

La nouvelle vague a également produit une riche veine de cinéma d'horreur et d'exploitation, y compris La dernière vague (1977), Razorback (1984), et Roadgames[ (1981).Ces films, bien que moins célébrés dans les histoires grand public, ont trouvé un public fidèle à l'ère de la location de vidéos et ont ensuite gagné le statut de culte.

À la fin des années 1980, la New Wave a commencé à reculer. Hollywood tir a attiré de nombreux grands réalisateurs australiens à l'étranger (Weir, Beresford, Miller travaillaient tous régulièrement aux États-Unis). Le marché intérieur est resté petit et le financement gouvernemental a diminué pendant les ralentissements économiques.

Cinéma contemporain et influence mondiale (1990–Présent)

Blossom de la production cinématographique autochtone

L'un des développements les plus significatifs du cinéma australien contemporain est la montée en puissance des cinéastes autochtones qui racontent leurs propres histoires.Les années 1990 ont vu l'émergence de réalisateurs comme Rachel Perkins (Radiance, 1998], Warwick Thornton (Samson et Delilah, 2009), et Ivan Sen ([Beneath Clouds, 2002). Leurs films rejettent le regard ethnographique des décennies précédentes, présentant des expériences autochtones avec authenticité, nuance et innovation formelle. Samson et Delilah ont remporté la caméra d'Or à Cannes, une première pour un film australien, et ont fait briller les luttes des jeunes autochtones dans les communautés éloignées.

Coproductions mondiales et succès commercial

Le cinéma australien est également devenu un pôle de coproductions internationales. Baz Luhrmann , Strictly Ballroom (1992) a lancé une carrière définie par un style visuel flamboyant; ses films ultérieurs Moulin Rouge! (2001) et Le Great Gatsby (2013) ont été réalisés avec des équipes de création australiennes mais ont tourné à la fois au pays et à Hollywood, obtenant un succès mondial en box office.

Un autre volet du cinéma contemporain est le réalisme social sombrement comique des réalisateurs comme Rolf de Heer (Le château[, 1997? En fait de Heer réalisé Bad Boy Bubby[; Le château a été réalisé par Rob Sitch) —correctification: Rob Sitch=Le château[ (1997) est devenu un classique bien aimé, célébrant la culture australienne des sous-dogs et la vie familiale quotidienne.

Les années 2010 ont attiré une attention internationale renouvelée avec des films comme Animal Kingdom[ (2010) de David Michôd, The Babadook[ (2014) de Jennifer Kent, et Mad Max: Fury Road[ (2015) de George Miller. Le Babadook[ est devenu un raccourci pour l'horreur sophistiquée et a catapturé Kent sur la scène mondiale. Millers Fury Road a été salué comme un chef-d'œuvre d'action, remportant six Oscars et démontrant que le cinéma australien pouvait encore produire un travail épique et visionnaire.

Diversité et ère numérique

Aujourd'hui, le cinéma australien est plus diversifié que jamais. Des films comme Crazy Rich Asians (2018) avaient de solides liens australiens (avec Chris Pang et dirigé par Jon M. Chu, un Américain d'origine chinoise), tandis que des productions maison telles que Les femmes en noir (2018) et Le Dry[ (2020) explorent des thèmes de multiculturalisme et de traumatismes de petite ville.

Le secteur cinématographique autochtone continue de prospérer. National Film and Sound Archive a consacré des ressources importantes à la préservation des histoires autochtones, tandis que le Screen Australia Indigenous Department finance le développement et la production. Sweet Country (2017) de Warwick Thornton a remporté le Prix de la Plateforme au Festival international du film de Toronto et Mystery Road (2013) a créé une franchise télévisée réussie.

Snapshot statistique du cinéma australien contemporain (de la recherche de Screen Australia):

  • En 2022-2023, les longs métrages australiens ont généré plus de 70 millions d'AUD à la billetterie locale.
  • Le financement de la production autochtone de écrans a augmenté de plus de 300 % au cours de la dernière décennie.
  • Plus de 40 % des films australiens sortis en 2023 avaient des réalisatrices ou co-réalisatrices.

Défis et orientations futures

Malgré ces succès, le cinéma australien est confronté à des défis permanents. Le marché intérieur est relativement petit et le recours au financement gouvernemental crée une vulnérabilité aux changements politiques. La domination des blockbusters hollywoodiens dans les multiplexes australiens pousse souvent les films locaux dans des fenêtres à diffusion limitée. De plus, l'industrie a été confrontée à des problèmes de représentation, tant devant que derrière la caméra.

Pourtant, la résilience du cinéma australien est remarquable. De l'ère silencieuse à l'ère numérique, les cinéastes ont trouvé à plusieurs reprises des moyens de raconter des histoires qui comptent pour les Australiens tout en captant l'imagination du public mondial. Le mélange unique de paysage, de caractère et d'histoire du pays offre un puits sans fin d'inspiration.

Conclusion

L'évolution du cinéma australien est une histoire d'adaptation, de résilience et de créativité. Des traditions orales de contes des peuples autochtones au premier long métrage du monde, des épopées de brousses de l'époque silencieuse aux percées artistiques de la Nouvelle-Vague, et des auteurs autochtones contemporains aux blockbusters mondiaux, le film australien a toujours été un miroir de l'identité nationale. Il reflète la terre, le peuple et l'histoire complexe qui les lie. Alors que l'industrie continue d'évoluer, une chose demeure constante : le pouvoir des histoires australiennes de se connecter, de défier et d'inspirer. Que ce soit par la beauté étoilée de l'Outback, l'esprit de derrière des larrrkins ou la force durable des cultures des Premières Nations, le cinéma australien demeure une expression essentielle d'une nation qui trouve sa voix et qui le partage avec le monde.