Рождение электронного звука: ранние эксперименты

До того, как синтезатор, каким мы его знаем, сформировался, изобретатели и музыканты потратили десятилетия на изучение возможностей генерации звука с помощью электричества. Самый ранний успешный электронный инструмент, Телармоний, был построен Таддеусом Кэхиллом в конце 1890-х годов. Весом более 200 тонн и требующий специальной электростанции, Телармоний использовал тональные колеса для производства музыкальных тонов, которые были переданы по телефонным линиям. Хотя это и непрактично для широкого использования, это доказало, что чистые электрические сигналы могут создавать музыку и даже распространяться удаленно — концепция, которая предвещала современную потоковую передачу.

1920-е годы принесли больше портативных инноваций. Леон Термен Theremin (1920) использовал радиочастотные осцилляторы, управляемые движениями рук вблизи антенн, создавая жуткий, колеблющийся звук, который стал знаковым в оценках научно-фантастического фильма. Примерно в то же время Морис Мартено представил Ondes Martenot (1928), который использовал клавиатуру и раздвижное кольцо для создания диапазона текучих смол. Композиторы, такие как Оливье Мессиан и Эдгар Варезе, приняли эти ранние электронные инструменты, но они оставались ограниченными в универсальности и полифонии. Раймонд Скотт , построил Electronium в 1950-х годах — композиционная машина, которая объединила секвенсор, синтезатор и генератор ритма, влияя на более позднюю экспериментальную поп-музыку.

Следующий крупный скачок произошел в 1950-х годах с RCA Mark II Sound Synthesizer, разработанным в Центре электронной музыки Колумбии-Принстона. Этот бегемот размером с комнату использовал вакуумные трубки, заливы для пластырей и считыватели бумажной ленты для генерации и секвенирования звуков. Он заложил основу для модульного синтеза, но был слишком большим и дорогим для коммерческого использования. Тем не менее, он продемонстрировал, что генераторы с контролируемым напряжением (VCO), фильтры и генераторы оболочки могут быть объединены для создания любого мыслимого тембра — концепции, которая будет определять будущие синтезаторы. RCA Mark II вдохновил поколение академических композиторов, таких как Милтон Бэббитт и Мортон Суботник , который начал рассматривать синтезатор как серьезный композиционный инструмент.

Модульная революция: Муг, Бухла и рождение современного синтезатора

1960-е стали свидетелями поворотного момента, когда Роберт Муг, физик и строитель терменвокса, представил свой первый модульный синтезатор в 1964 году. Система Муга была относительно компактной и использовала надежную твердотельную электронику. Его ключевым новшеством было создание компонентов, управляемых напряжением - это означало, что изменение электрического напряжения может изменять шаг, отсечку фильтра или амплитуду. Эта модульная система включала осцилляторы, фильтры, генераторы оболочек и клавиатуру, которая могла управлять шагом через интерфейс управляющего напряжения (CV). Муг также запатентовал фильтр лестницы [FLT: 2], четырехполюсный фильтр с низким пропуском, который производил теплый, резонансный звук, который стал легендарным. Способность фильтра самоколебаться при высоком резонансе стала отличительной чертой аналогового синтеза.

Почти одновременно на Западном побережье Дон Бухла разработал совершенно другую философию. Там, где синтезатор Муга был сосредоточен на клавиатуре и направлен на музыкантов, модули Бухлы избегали клавиатуры в пользу сенсорных пластин, секвенсоров и генераторов случайного напряжения. Инструменты Бухлы были более экспериментальными, привлекательными для авангардных композиторов и звуковых дизайнеров. Серия Buchla 100 (1963) и более поздняя серия 200 стала знаковой в академических и экспериментальных кругах. Акцент Бухлы на управлении напряжением распространился на тактильные интерфейсы, которые позволяли исполнителям формировать звук напрямую, минуя традиционную игру на ноте.

Конкуренция и взаимодополняющие видения Муга и Бухлы определили две школы синтеза: управляемый клавиатурой, ориентированный на производительность подход (Муг) и свободный, процессный подход (Бухла). Другие производители вскоре присоединились к рынку. ARP Instruments выпустили ARP 2500 и 2600, которые предлагали более удобные интерфейсы и использовались Стиви Уандером и Дэвидом Боуи. EMS (Electronic Music Studios) создали портативный Synthi A и знаменитый VCS 3, популярный как в прогрессивном, так и в психоделическом роке. Уникальный отсек с патчами VCS 3 упростил маршрутизацию и сделал его фаворитом таких групп, как Pink Floyd и King Crimson.

Ключевые технические достижения 1960-х и 1970-х годов

  • Управление напряжением: Разрешено точное и повторяемое изменение шага, тембра и громкости, что позволяет создавать сложные последовательности и автоматизацию. Это позволило создать эволюционирующие звуковые ландшафты, которые были невозможны с помощью инструментов с фиксированной клавиатурой.
  • Модульные патч-кабели:Включают бесконечные возможности маршрутизации, превращая синтезатор в уникальный инструмент для каждой установки.Музыканты могли перенастраивать свои системы на лету, рассматривая патч-отсек как часть исполнения.
  • Секвенсоры и Sample-and-Hold: Разрешили композиторам создавать повторяющиеся узоры и случайные напряжения, необходимые для ранней электронной музыки.Секвенсор стал краеугольным камнем Krautrock, а затем и техно.
  • Ограничения полифонии: Ранние синтезаторы были монофоническими (одна нота за раз), что привело к многотрековым и творческим обходным путям, которые определили ранние электронные альбомы. Музыканты, такие как Венди Карлос и Кит Эмерсон, использовали перенапряжение для моделирования полифонии, часто проводя часы, накладывая отдельные линии.

Пионеры, которые создали электронную музыку

В то время как технология развивалась быстро, именно музыканты и композиторы раскрыли ее художественный потенциал. Следующие фигуры выделяются как настоящие пионеры, каждый из которых использует синтезатор для создания новых музыкальных ландшафтов.

Роберт Муг (1934–2005)

Как изобретатель модульного синтезатора Moog, Moog не только создавал аппаратное обеспечение, но и сотрудничал с музыкантами, чтобы усовершенствовать свои инструменты. Он тесно сотрудничал с Wendy Carlos, чей альбом Switched-On Bach (1968) продемонстрировал, что синтезатор может исполнять классический репертуар с беспрецедентной выразительностью. Альбом выиграл три премии Грэмми и убедил музыкальный мир в том, что синтезаторы были серьезными инструментами. Moog также разработал в 1970 году Minimoog Model D, первый портативный, предустановленный синтезатор, который стал стандартом для гастролирующих музыкантов. Его интуитивная компоновка — с тремя осцилляторами, встроенным фильтром и конвертом ADSR — сделала его самым влиятельным синтезатором всех времен, используемым художниками от Яна Хаммера до Доктора

Дон Бухла (1937–2016)

Работа Бухлы была менее коммерческой, но одинаково влиятельной. Его системы использовались композиторами, такими как Morton Subotnick, чей альбом Silver Apples of the Moon (1967) был первым электронным музыкальным альбомом, заказанным звукозаписывающим лейблом (Nonesuch). Суботник написал альбом полностью с Buchla 100, создав работу, которая звучала как никакой инструмент до него. Акцент Бухлы на сенсорных интерфейсах, секвенсорах и контроле без клавиатуры вдохновил более поздних аппаратных контроллеров и был прямым предшественником современного модульного синтеза. Серия Buchla 200 представила концепцию «музыкального мольберта» — интегрированного, портативного синт-секвенсора, который предвещал сегодняшние грувбоксы.

Венди Карлос (родившийся 1939)

Карлос не только популяризировал синтезатор Moog, но и раздвинул его звуковые границы. После Переключен-на Бах , она создала новаторские саундтреки для (1971), The Shining (1980), и Tron, она сочинила оригинальную электронную музыку и аранжировала Бетховена для Moog, достигнув пугающего слияния классической и синтетической. Её работа над Tron была одной из первых полностью электронных партитур фильмов, смешивая аналоговые синты с ранним цифровым синтезом, и её технические документы по восприятию питч остаются актуальными.

Kraftwerk (основана в 1970 году)

Немецкая группа Kraftwerk эффективно изобрела звук современной электронной поп-музыки. С Autobahn (1974) и более поздними альбомами, такими как Trans‐Europe Express (1977) и The Man‐Machine (1978), они использовали Minimoogs, ARP Odysseys и специально созданные секвенсоры для создания ритм-управляемой минималистской музыки, которая непосредственно вдохновляла техно, хаус и синти-поп. Их роботизированное футуристическое изображение соответствовало механистической точности их синтезаторов. Влияние Kraftwerk распространяется на хип-хоп (через выборку «Trans‐Europe Express» Африкой Бамбаатаа) и современную электронную танцевальную музыку. Они продемонстрировали, что синтезаторы могут быть ядром идентичности группы, а не просто вспомогательным источником звука.

Херби Хэнкок (родившийся 1940)

Хэнкок, уже легендарный джазовый пианист, обнял синтезаторы в 1970-х. Его альбом Head Hunters (1973) смешивал фанк с аналоговыми синтезаторами, а его хит 1983 года «Rockit» отличался инновационными эффектами скретч-синта, которые принесли оборотнизм и электронные звуки на поп-радио. Готовность Хэнкока экспериментировать вдохновила бесчисленных джазовых и R&B-музыкантов на принятие синтезаторов. Он использовал модуль Moog, Rhodes Chroma, а позже цифровые рабочие станции, всегда ища новые тембры. Его альбом 2001 года Future2Future исследовал трип-хоп и электронное производство, доказывая свою актуальность на протяжении десятилетий.

Джо Мик, Жан-Мишель Жарр и Вангелис

В Великобритании Джо Мик был ранним пионером электронных звуковых эффектов в поп-продакшне. Его сингл 1962 года «Telstar» использовал Clavioline (ранняя электронная клавиатура) и ленточное эхо, создавая хит космической эры. Жан-Мишель Джарре использовал массивные массивы синтезаторов и секвенсоров для создания обширных инструментальных альбомов, таких как Oxygène (1976), которые продали миллионы. Живые выступления Джарре, такие как Place de la Concorde концерт, продемонстрировал синтезаторы синтезатора для крупномасштабного зрелища. Вангелис объединил синтезаторы с оркестровыми элементами для партитуры фильмов, таких как (1981), выиграв Оскар и закрепив место

Другие известные пионеры включают Исао Томита , который адаптировал классические работы для Муга и создал пышные, текстурные альбомы, такие как Snowflakes Are Dancing (1974); Tomita , впервые использовал задержку ленты и многодорожечную обработку для создания плотных, оркестровых электронных аранжировок. Сюзанна Чиани принесла синтез Бухлы в коммерческие джинглы и фильм, и ее Альбом Seven Waves (1982) остается культовой классикой мечтательной, аналоговой электроники.

Культурное и гендерное влияние синтезатора

Синтезатор сделал больше, чем добавил новые звуки; он фундаментально изменил то, как музыка была составлена, исполнена и произведена. В 1970-х годах прогрессивные рок-группы, такие как Yes и Pink Floyd , использовали синтезаторы для атмосферных лидов и широких площадок. Krautrock , такие как и Klaus Schulze, использовали их для создания длинных, гипнотических композиций, которые заложили основу для окружающей и новой музыки. Майк Олдфилд (1973) смешивал многодорожечные гитары с текстурами синтезаторов, в то время как Брайан Ино определя

К 1980-м годам синтезатор стал доминирующим инструментом в поп-музыке. Yamaha DX7, используя синтез FLT:0]FM, производила яркие металлические звуки, которые определяли десятилетие. Синтезаторы также позволяли создавать новые жанры: хаус-музыка, разработанная вокруг барабанных машин и бас-синтезов; techno, возникшая из Детройта с использованием Roland TR-808 и TB-303s; synth-pop, делала синтезатор центральным элементом своего звука. Производители хип-хопа начали отбирать классические синтезаторные риффы, а электронная танцевальная музыка (EDM) выросла непосредственно из аппаратного секвенирования.Roland Jupiter-8 и Oberheim OB-X обеспечивала

Цифровая революция и синтез программного обеспечения

В 1990-х годах произошел переход от аналоговых к цифровым синтезаторам с волновым синтезом (первоначальный синтез PPG Wave) и физическим моделированием. Но самый драматический сдвиг произошел с ростом программных синтезаторов в конце 1990-х и 2000-х годов. Программы, такие как Reason, Ableton Live и позже Serum и , принесли мощь синтеза в стиле Moog и Buchla на любой компьютер. Сегодня виртуальные аналоговые модели добросовестно воссоздают старинное оборудование, в то время как новые методы синтеза, такие как гранулированный и спектральный синтез, расширяют границы. Korg MS-20 и Roland TR-909 были переизданы как аппаратное и программное обеспечение, делая классические звуки доступными.

Несмотря на цифровое удобство, аналоговое оборудование пережило серьезное возрождение. Модульные синтезаторы Eurorack, вдохновленные Бухлой и Мугом, стали процветающей экосистемой для энтузиастов, которые ценят практические манипуляции и непредсказуемость аналоговых схем. Этот гибридный ландшафт - аппаратное и программное обеспечение, аналоговое и цифровое - гарантирует, что дух ранних пионеров продолжает развиваться. Сегодняшние художники, такие как FLT: 1 Aphex Twin, FLT: 2 Flying Lotus и Oneohtrix Point Never FLT: 5 плавно сочетают винтажные аналоговые инструменты с современным цифровым производством.

В поисках будущего: синтезатор в 21 веке

Современные синтезаторы часто интегрируют цифровое управление с аналоговыми осцилляторами, предлагая лучшее из обоих миров. Такие компании, как Moog Music (восстановленная Робертом Мугом и его командой) производят Sub 37 и Subsequent 37, смешивая классический дизайн фильтра с современной патч-памятью. Make Noise, Mutable Instruments и Doepfer стали основными именами в модульном мире. Между тем, обширные ресурсы для обучения синтезу — от учебных пособий YouTube до интерактивных приложений, таких как Syntorial — демократизировали доступ, когда-то ограниченный элитными студиями. Рост доступных полумодульных синтеза, таких как Korg Minilogue[[FLT:

Наследие пионеров синтезатора не только в аппаратном обеспечении, но и в мышлении исследования, которое они способствовали. Каждый продюсер, который настраивает фильтр, каждый композитор, который секвенирует басовую линию, и каждый исполнитель, который интегрирует электронные текстуры, стоит на плечах Муга, Бухлы, Карлоса и Крафтверка. Их инновации научили нас, что любой звук возможен - и что границы музыки так же фиксированы, как позволяет наше воображение.

Чтобы узнать больше, посетите официальный сайт Moog Music для современных инструментов и исторических архивов. Википедия статья о Доне Бухле подробно описывает его уникальный вклад, в то время как страница о Венди Карлос охватывает ее знаковые записи. Для глубокого погружения в историю синтезатора статья Синтезизер на Википедии предоставляет всеобъемлющую хронологию и технический обзор. Кроме того, Саунд на звуке веб-сайт предлагает углубленные статьи о классическом экипировании и методах синтеза.