Table of Contents

Введение: Возвышение американской художественной формы

Музыкальный театр является одним из самых отличительных и устойчивых вкладов Соединенных Штатов в глобальную культуру. На протяжении 20-го века этот жанр, построенный на слиянии песни, разговорного диалога и танца, превратился из простых развлечений в сложную среду повествования, которая захватила американский опыт. От комических опер и эскизов водевиля до новаторских работ, которые решали социальные проблемы, музыкальный театр отражал и формировал идентичность нации. Эта статья прослеживает основные события музыкального театра в Америке 20-го века, исследуя его происхождение, его золотой век и его текущие инновации, выделяя ключевые фигуры, работы и культурные силы, которые продвигали форму искусства вперед.

Ранние начала и влияния (1880-1920)

Европейская оперетта и американский Водевиль

Корни американского музыкального театра лежат в двух различных традициях: европейская оперетта и американский водевиль. Оперетты композиторов, таких как Жак Оффенбах, Иоганн Штраус II и Артур Салливан, предлагали легкие, романтические истории с запоминающимися мелодиями и роскошными наборами. Вена и Париж производили такие произведения, как Die Fledermaus и Orphée aux, которые пересекали Атлантику и находили нетерпеливую аудиторию. Между тем, водевиль — эстрадное шоу с участием комедийных, песенных, танцевальных и новинок — доминировал в популярных развлечениях в Соединенных Штатах. Менеджеры, такие как Тони Пастор и Б. Ф. Кит, строили схемы, которые простирались от побережья до побережья, воспитывая звезды, такие как Эл Джолсон и Ева Тангуай. Эти две нити начали сливаться в конце 19-го века, создавая гибрид, который станет мюзиклом.

Черный Крук и ранние достопримечательности

Часто цитируемая как первая американская музыкальная комедия, (1866) была случайным сочетанием мелодрамы и балетной труппы. Когда театральный пожар в Нью-Йорке оставил посещающую французскую балетную труппу без места проведения, продюсер Уильям Уитли объединил их спектакль с уже существующей пьесой. Его пяти- и получасовой пробег показал захватывающие декорации, роскошные костюмы и смесь музыки и танца, которые волновали аудиторию. Однако ранние мюзиклы были все еще слабо структурированы, с песнями, вставленными как случайные диверсии, а не неотъемлемые части повествования. На рубеже века появились такие фигуры, как Джордж М. Кохан, чьи энергичные постановки, такие как Маленький Джонни Джонс (1904) ввели отчетливо американский стиль — дерзкий, патриотический и полный синкопированных ритмов. Номер Коэна «Янки Дудл Дэнди

Театр Принцессы показывает

Значительный шаг к интеграции пришел с мюзиклами театра Принцессы 1910-х годов. Продюсированные командой P. G. Wodehouse (лирики), Джерома Керна (музыка) и Гая Болтона (книга), шоу, такие как Очень хороший Эдди (1915) и О, мальчик! (1917) подчеркнул остроумие, обаяние и когерентные сюжеты. Театр Принцессы был небольшим, вмещающим менее 300, заставляя создателей уменьшать зрелище и сосредоточиться на характере и диалоге. Эти интимные постановки доказали, что мюзиклы могут рассказывать правдоподобные истории, не жертвуя развлекательной ценностью. Мелодии Керна, умные рифмы Вудхауса и плотная конструкция Болтона установили новый стандарт для того, что может достичь мюзикл.

Восхождение книжного мюзикла (1920–1940)

Показать лодку : Момент водораздела]

Момент перелома для интегрированного мюзикла наступил в 1927 году с Show Boat, Джеромом Керном и Оскаром Хаммерштейном II. На основе романа Эдны Фербер шоу имело дело с расизмом, смешанными браками и сломанными мечтами — предметами, далекими от пенистых комедий эпохи. Песни продвинули сюжет и раскрыли характер, наиболее известный в «Ol' Man River», который стал гимном афроамериканской борьбы и устойчивости. Персонаж Джули, исполнительница смешанной расы, которая должна бежать, когда ее наследие обнаружено, продемонстрировал, что музыкальный театр может решать серьезные темы, оставаясь коммерчески жизнеспособным, бегая за 572 выступлениями на Бродвее, а затем гастролируя широко.

Роджерс и Харт и уточнение формы

В 1930-х годах команда Ричарда Роджерса и Лоренца Харта выпустила ряд сложных музыкальных комедий, в том числе On Your Toes (1936) и The Boys from Syracuse (1938). В их работе были представлены умные тексты, сложные гармонии и балетные танцевальные последовательности — особенно в On Your Toes, включавшие джазовый балет «Slaughter on Tenth Avenue», хореограф Джордж Баланчин. Циничные, внутренние рифмы Харта идеально сочетались с лирическими мелодиями Роджерса. В этот период также наблюдался подъем хореографов, таких как Агнес де Милль, которая позже революционизировала танец в мюзиклах. понимание Милле психологии и движения позволило ей рассказывать истории через танец, как видно из ее работы для Роджерса и Хаммерштейна.

Влияние Великой депрессии и Федеральный театральный проект

Экономические трудности 1930-х годов стимулировали инновации. В Федеральном театральном проекте, являющемся частью Нового курса, работали тысячи театральных художников и создавались новаторские работы, такие как The Cradle Will Rock (1937) Марка Блицштейна. Этот просоюзный мюзикл, исполненный без декораций или костюмов после того, как правительство закрыло проект (из-за его спорного содержания), показал, что музыкальный театр может быть мощным политическим инструментом. В шоу был рассказчик, который представил персонажей и забастовку, смешивая агитпроп с народной оперой. Другие постановки FTP, такие как вуду Орсона Уэллса Макбет с полностью черным актерским составом, расширили культурный охват театра.

Золотой век музыкального театра (1940–1960)

Роджерс и Хаммерштейн: Идеальная интеграция

Золотой век наиболее тесно связан с Ричардом Роджерсом и Оскаром Хаммерштейном II. Их первое сотрудничество, ]Оклахома! (1943), стало поворотным моментом.Шоу открылось простой сценой женщины, бьющей маслом, а не линией хора, и музыкальные номера органично вышли из истории. «О, что за красивая морнин» задал тон для нового уровня эмоционального реализма. Последовательность балета в Оклахоме!, поставленная Агнес де Милле, представляла собой балет мечты, который продвигал сюжет — беспокойство главного героя о его сопернике выражается через сюрреалистический танец.Шоу бежало за 2212 спектаклей и навсегда изменило Бродвей, доказав, что мюзикл может быть как коммерческим джаггернаутом, так и серьезным произведением искусства.

Ключевые произведения Золотого века

Роджерс и Хаммерштейн последовали за серией шедевров: Карусель (1945), с ее темными темами домашнего насилия и искупления, с участием парящего «Ты никогда не будешь ходить один»; Южный Тихий океан (1949), который боролся с расовыми предрассудками во время Второй мировой войны через историю медсестры, которая влюбляется во французского плантатора, борясь с ее собственными предубеждениями; Король и я (1951), история культурного столкновения в Сиаме с знаковыми номерами, такими как «Shall We Dance?»; и Звуки музыки (1959), поднимающая настроение история, музыка и танец бесшовно, устанавливая стандарт для Бродвея в течение десятилетий. Команда авторов песен последовательно использовала музыку, чтобы выявить эмоции персонажа и продвинуть сюжет вперед, модель, которую изучали все последующие композиторы.

Другие композиторы и лирики также процветали. Фрэнк Лёссер написал Guys and Dolls (1950), идеальное сочетание причудливых гангстеров Дэймона Руниона и джазовых уличных разговоров, с номерами, такими как «Luck Be a Lady», которые служат персонажу и сюжету. Коул Портер внес свой вклад Kiss Me, Кейт (1948), остроумную адаптацию Шекспира The Taming of the Shrew, используя закулисную рамку для изучения гендерной динамики. Алан Джей Лернер и Фредерик Лоу создали My Fair Lady (1956), основанную на песне Джорджа Бернарда Шоу Pygmalion, с песнями, такими как «I Could Have Danced All Night

Роль хореографии и направления

Режиссеры и хореографы стали такими же важными, как композиторы. Джером Роббинс, Боб Фосс и Гоуэр Чемпион разработали отличительные стили, которые определили визуальный язык музыкального театра. Работа Роббинса над Вестсайдской историей и Скрипач на крыше (1964) возвысила танец до драматической силы — танец бутылочки в Скрипач раскрывает напряжение в сообществе через движение. Стиль подписи Фосса — изолированные движения бедра, повернутые колени и извилистые жесты рук — впервые появился в (1954) и достиг своего пика в Чикаго (1975). Хореография Фосса не только развлекала, но и комментировала цинизм персонажей и эпоху джазового века

Инновации и современные тенденции (1960-2000)

Концепт-музыкант и Стивен Сондхайм

1960-е и 1970-е годы видели переход от интегрированного музыкального сборника к концептуальному мюзиклу, где центральная идея или тема двигали шоу, а не линейный сюжет. Стивен Сондхайм появился как самый влиятельный композитор-лирик эпохи. Его Компания (1970) исследовала брак и приверженность через серию виньеток, используя нелинейную структуру и сложную музыку, которая включала диссонанс и необычные временные подписи. Фоли (1971) исследовал старение и сожаление, используя две пары, которые противостоят своим молодым я. Маленькая ночная музыка (1973) предложила вальс-насыщенное исследование любви, с ее хитом «Отправить в клоунов». работа Сондхайма бросила вызов аудитории со сложными гармониями, замысловатой лирикой и моральной двусмысленностью, подталкивая форму искусства к большей интеллектуальной глубине.

Рок-музыка и контркультура

Конец 1960-х принес рок-музыку в театр. (1967) Джерома Рагни, Джеймса Радо и Галта Макдермота, отмечая движение хиппи, показывая наготу, ненормативную лексику и гимны, такие как «Пусть солнце светит» и «Водолей». Он побил кассовые рекорды и продемонстрировал, что музыкальный театр может захватить энергию молодежной культуры.Иисус Христос Суперзвезда (1971) Эндрю Ллойда Уэббера и Тима Райса, и Шоу ужасов Рокки (1973) Ричарда О’Брайена привлекло новую аудиторию, хотя они часто сохраняли концептуальный формат. Эти шоу принесли в более молодую демографию, которая могла бы не посещать Бродвей.

Мега-музыка и глобальный коммерциализм

1980-е и 1990-е стали свидетелями подъема «мега-музыки» — крупномасштабных постановок с захватывающими наборами, поп-начинающимися партитурами и глобальным маркетингом. Британский композитор Эндрю Ллойд Уэббер возглавил эту тенденцию с Кошки (1981), основанный на поэзии Т. С. Элиота, и Призрак оперы (1986), который стал самым продолжительным шоу в истории Бродвея. Фантом показал крушение люстры, подземное озеро и парящие баллады, такие как «Музыка ночи». Французские создатели Клод-Мишель Шёнберг и Ален Бублиль произвели Les Misérables (1985) и Мисс Сайгон (1989), эпические истории, пропе

Влияние Диснея и возрождение семейных мюзиклов

Disney Theatrical Productions начала адаптировать анимированную классику для сцены. Красота и чудовище (1994) иКороль Лев (1997) (режиссер Джули Таймор) принесли инновационное кукольное и визуальное оформление на Бродвей, вобрав в себя семейную аудиторию.Работа Таймора надКороль Лев использовал маски, сваяния и теневые куклы для создания саванны на сцене, предлагая театральный язык, который был одновременно и примитивным, и изощренным.Шоу показало, что музыкальный театр может быть как художественно новаторским, так и коммерчески доминирующим, собрав более 1 миллиарда долларов по всему миру в течение десятилетия.

Современные социальные проблемы: Рента и за его пределами

1990-е также видели возрождение социально занятых мюзиклов. Джонатан Ларсон (1996) обновил PucciniLa Bohème в Ист-Виллидж Нью-Йорка, занимаясь ВИЧ/СПИДом, бедностью и идентичностью ЛГБТК+. Его рок-сценарий и молодая энергия говорили непосредственно с поколением, и его успех проложил путь к более разнообразным историям. Гимн шоу «Сезоны любви» стал основным продуктом хоровых концертов по всему миру. Позже, такие шоу, как Гамильтон (2015) Лин-Мануэль Миранда раздвинул бы границы дальше, используя хип-хоп, чтобы рассказать историю основания Америки.Хамильтон сам по себе, хотя премьера в 2015 году, является кульминацией тенденций, которые начались в конце

Влияние на американскую культуру

Влияние на кино, телевидение и популярную музыку

Американский музыкальный театр глубоко сформировал другие средства массовой информации. Голливудский мюзикл 1930-х-1950-х годов в значительной степени заимствован у Бродвея, со звездами, такими как Фред Астер и Джин Келли, переходящими со сцены на экран. Такие фильмы, как Singin' in the Rain (1952) и Волшебник страны Оз (1939) являются прямыми потомками сценических традиций. Звуки музыки (1965) и Питер Пан (1960)) представили жанр миллионам. В 21-м веке живые телевизионные мюзиклы (например, The Wiz Live!, 2015; Grease: Live, 2016) возродили интерес, приведя ценности бродвейской продукции к массовой аудитории. Кроме

Социальные комментарии и представление

Музыкальный театр часто был платформой для социальных комментариев. Show Boat обратился к расизму; Южный Тихий океан подверг сомнению предубеждение военного времени; West Side Story исследовал иммиграционные и бандитские конфликты; Рент столкнулся с кризисом СПИДа. В конце 20-го века композиторы цвета начали приобретать известность, такие как Мики Грант, Я не могу Коуп, 1972] и Джордж К. Вулф Последний джем Джелли, 1992.Однажды на этом острове Линн Аренс и Стивен Флаэрти (1990) принесли на сцену карибский фольклор[[FLT:

Влияние экономики и туризма

Бродвейский театр является основным экономическим двигателем для Нью-Йорка. По данным Бродвейской лиги, сезон 2018-2019 годов собрал более 1,8 миллиарда долларов и привлек 14,8 миллиона посетителей, многие из которых были туристами. Индустрия поддерживает тысячи рабочих мест в исполнении, дизайне и гостеприимстве. За пределами Нью-Йорка региональные театры и гастрольные постановки приносят музыкальный театр в сообщества по всей территории Соединенных Штатов, способствуя развитию местных художественных экосистем. Фонд развития театра и такие организации, как Национальный фонд искусств, поддерживают программы доступа, гарантируя, что живой театр остается доступным для разнообразной аудитории.

Образовательное и культурное наследие

Музыкальный театр стал основным продуктом американского образования, ежегодно тысячи школ устраивают постановки. Такие программы, как Tony Awards «Я — голос» и Jimmy Awards, поощряют молодых исполнителей. Жанр также продолжает развиваться благодаря экспериментам и влиянию новых технологий, обеспечивая его актуальность в 21 веке. Цифровая трансляция, захватывающий театр и интерактивные постановки раздвигают границы того, чем может быть мюзикл. Наследие инноваций 20-го века обеспечивает прочную основу для будущих создателей, которые будут продолжать отражать постоянно меняющуюся американскую историю.

Заключение

Развитие музыкального театра в Америке 20-го века - это история творчества, адаптации и культурного отражения. От оперетт и водевилей эскизов начала 1900-х годов до интегрированных шедевров Золотого века и смелых экспериментов конца века, жанр постоянно изобретал себя, чтобы говорить со своим временем. Он дал голос социальным движениям, обеспечил эскапизм и радость и построил мост между высоким искусством и популярными развлечениями. По мере того, как новые писатели и композиторы берутся за традицию, американский музыкальный театр остается живой, дышащей формой - той, которая, без сомнения, будет продолжать удивлять и вдохновлять для будущих поколений.