Introdução: O Poder Por trás da obra-prima

A arte clássica da Grécia antiga e Roma é uma das mais influentes conquistas culturais da história humana. Desde as proporções equilibradas do Partenon até a narrativa abrangente da Coluna de Trajano, essas obras continuam a definir ideais ocidentais de beleza, ordem e virtude cívica. No entanto, atrás de cada estátua de mármore e templo monumental, uma rede de patronos cuja riqueza, ambição e necessidades políticas dirigiam as mãos dos artistas. O patrocínio imperial – o financiamento sistemático da arte e arquitetura por governantes, tesouros estatais e famílias de elite – formaram não só os temas e estilos da arte clássica, mas também sua função como ferramenta para o poder, religião e coesão social. Compreender esse patrocínio é essencial para entender por que a arte clássica olha para o modo como ela é e por que seu legado permanece tão durável.

Padroeira no mundo clássico raramente era desinteressada. Tanto na Grécia como em Roma, aqueles que encomendaram arte que visava projetar autoridade, honrar os deuses, comemorar vitórias, ou garantir seu lugar na história. A relação entre patrono e artista definir o palco para inovações que ecoariam ao longo de milênios. Este artigo examina como o patrocínio imperial influenciou o desenvolvimento da arte clássica, desde as cidades-estados da Grécia até o vasto Império Romano, e explora o impacto duradouro desse apoio na arte ocidental subsequente. A dinâmica entre aqueles que pagaram e aqueles que criaram não era meramente transacional – era uma parceria criativa que definiu a linguagem visual do mundo antigo.

Padroagem Imperial na Grécia: O Nascimento da Arte Cívica

A Grécia antiga não era um império unificado durante seu período clássico (aproximadamente os séculos V e IV a.C.). Em vez disso, cidades-estados independentes - mais notavelmente Atenas, Esparta, Corinto e Tebas - competiam para dominar. Padroeira neste ambiente veio principalmente de três fontes: o estado através de tesouros públicos, aristocratas ricos, e santuários religiosos. A natureza competitiva da política grega levou os patronos a patrocinar projetos ambiciosos que glorificariam a sua cidade e a si mesmos. Esta rivalidade criou um ambiente onde a excelência artística se tornou um marcador de superioridade cívica, e nenhuma cidade queria ser superada pelos seus vizinhos no esplendor de seus templos, estátuas, ou espaços públicos.

O sistema de patrocínio grego operava sobre um princípio de reciprocidade. Um cidadão rico poderia financiar um templo, um coro para um festival dramático, ou um monumento de vitória, e em troca receber honra pública, influência política, e um legado que iria durar mais tempo de vida. Este sistema, conhecido como liturgia (]leiturgia , fez riqueza privada servir fins públicos. Não era caridade, mas um investimento calculado em posição social e poder político. Os artistas que executavam essas comissões eram artesãos hábeis, muitas vezes celebrados em seu próprio tempo, mas seu trabalho foi sempre moldado pelas expectativas e exigências de seus patronos.

A Idade de Ouro Ateniense e Padroagem Perilimpa

Nenhum exemplo é mais famoso do que o programa de construção de Atenas sob a liderança de Pericles em meados do século V a.C.. Após as Guerras Persas, Atenas emergiu como o chefe da Liga Delian, e Péricles usou o tesouro da liga para financiar uma extraordinária onda de construção na Acrópole. Esta decisão foi controversa – Thucydides registra as objeções dos aliados de Atenas que viram seu tributo sendo gasto em glorificação ateniense – mas Pericles justificou-o argumentando que Atenas merecia seu domínio cultural. O Partenon, dedicado à deusa Atena, foi a peça central. Seu projeto pelos arquitetos Ictinus e Calicrates e seu programa escultural supervisionado por Phídias representava uma fusão de devoção religiosa, orgulho cívico e propaganda política.

O patronato de Pericles elevou Atenas como líder cultural da Grécia e forneceu emprego para milhares de artesãos, escultores e trabalhadores. A escala do projeto era sem precedentes. O parthenon sozinho exigiu quantidades maciças de mármore Pentelic, engenharia sofisticada para alcançar suas correções ópticas refinadas (como a ligeira curvatura do estilo para neutralizar a ilusão óptica), e a coordenação de centenas de trabalhadores ao longo de uma década. Como o historiador Plutarch mais tarde observou, os edifícios se elevaram “cheio de beleza e grandeza requintada, e os trabalhadores se esforçaram para superar uns aos outros na perfeição de seu trabalho.” Isto não foi meramente construção – foi a criação deliberada de uma identidade visual para Atenas imperial.

Key Patrons and Projects:
  • Pericles e o estado ateniense: Partenon (447–432 a.C.), Propylaea, Erechtheion.
  • O tirano Peisistrato e seus filhos: templo antigo de Athena Polias, casas de fontes e obras públicas que lançaram as bases para posterior grandeza.
  • Famílias aristocráticas em Delphi e Olympia: comissionando estátuas votivas e tesouros (por exemplo, o Tesouro ateniense em Delphi, construído a partir dos despojos da Batalha de Maratona).
  • Santuários como o Templo de Zeus em Olympia: financiado por cidades-estados e indivíduos ricos para abrigar a estátua de culto por Phídias, uma das Sete Maravilhas do Mundo Antigo.

A dimensão política deste patrocínio não pode ser superado. Cada templo, cada estátua, cada edifício público carregava uma mensagem sobre a cidade que o encomendou. O programa escultural de Partenon – a procissão panatenaica sobre o friso, o nascimento de Atena no fronte oriental, a competição entre Atena e Poseidon no oeste – era uma declaração visual da identidade ateniense, da democracia e do favor divino. O patrono, quer Pericles ou da assembléia ateniense, estava usando a arte para moldar como os cidadãos e estrangeiros entendiam Atenas.

Padroeira da Escultura e Pintura

Os escultores gregos como Phídias, Polykleitos e Praxiteles confiavam fortemente nos patronos. Phídias trabalhou diretamente para Péricles na Acrópole e mais tarde para o santuário em Olympia, onde sua colossal estátua criselefantina de Zeus foi financiada pelo estado Eleano e doadores ricos de toda a Grécia. Polykleitos foi encomendado pela cidade de Argos para criar figuras de bronze monumentais, e seu tratado sobre proporções ideais (o ]Kanon ) foi uma pesquisa padroeira em beleza. O Kanon[ procurou estabelecer relações matemáticas entre partes do corpo que produziria a figura mais harmoniosa – um projeto intelectual que só poderia florescer com o apoio de patronos que valorizavam a perfeição teórica tanto quanto a prática.

Praxiteles, trabalhando uma geração mais tarde, atendeu a um tipo diferente de patrocínio: o gosto pessoal de indivíduos ricos. Sua Afrodite de Knidos, encomendada pela cidade de Knidos, foi revolucionário para sua nudez feminina de frente cheia, uma saída da convenção que provavelmente refletiu a vontade do patrono de assumir riscos. A estátua tornou-se uma atração turística, atraindo visitantes de todo o Mediterrâneo. Da mesma forma, pintores de vasos e pintores de parede (como Polignotus, que pintou o Stoa Poikile em Atenas) recebeu comissões de templos e edifícios públicos. O sistema de patrocínio incentivou artistas a refinar suas técnicas, explorar naturalismo, e desenvolver o estilo clássico de formas equilibradas e idealizadas.

Os padroeiros também ditavam assunto: deuses, heróis e vencedores atléticos eram populares, assim como as narrativas da mitologia que reforçavam os valores cívicos. O famoso Discobolus de Myron, por exemplo, provavelmente foi encomendado para celebrar um atleta vitorioso e demonstra o fascínio grego com o movimento e a anatomia humana – um estilo que mais tarde os patronos romanos copiariam obsessivamente. O físico idealizado do atleta, a cuidadosa prestação de tensão e equilíbrio, e o sentido de movimento preso todos serviram o desejo do patrono de comemorar a vitória de uma forma que transcendesse o indivíduo e falasse aos ideais universais de excelência.

O período helenístico (323–31 a.C.) viu uma expansão do patrocínio como os reinos sucessores de Alexandre Magno competiu pelo prestígio cultural. Os Attalids de Pérgamo financiaram o dramático Dying Gália e o Altar de Zeus[, com o seu friso de deuses lutando contra gigantes - uma alegoria política flagrante da civilização grega triunfando sobre invasores bárbaros. As Ptolemias em Alexandria patrocinou uma fusão de estilos gregos e egípcios, enquanto os Selêucidas em Antioquia importaram artistas gregos para criar um folheador cultural helênico sobre seus domínios orientais.Padronage tinha se tornado uma ferramenta de império, e arte era seu veículo.

Padroeira Imperial em Roma: Grandeur patrocinado pelo Estado

A abordagem de Roma ao patrocínio diferiu fundamentalmente da Grécia. Roma era um único império com uma autoridade central — o imperador — que controlava vastos recursos. Da República tardia através do Império, o patrocínio apoiado pelo Estado tornou-se um motor primário de produção artística. Os imperadores usaram a arte não apenas para o prazer estético, mas como um instrumento direto de poder: legitimar seu governo, conectar-se com a ancestralidade divina, e unificar um império multicultural que se estendia da Grã-Bretanha para a Mesopotâmia. Patronagem romana foi sistemática, centralizada e estratégica de maneiras que o patrono grego nunca foi.

O sistema romano também diferiu em sua atitude em relação à cópia. Enquanto os patronos gregos valorizavam a originalidade dentro de convenções estabelecidas, os patronos romanos - especialmente a elite - procuravam ativamente cópias de obras-primas gregas para exibir em suas vilas e edifícios públicos. Isto criou um vasto mercado de reprodução que espalhava estilos gregos pelo Mediterrâneo, promovendo também inovações romanas em retrato, relevo histórico e engenharia arquitetônica. A relação entre originais gregos e cópias romanas é complexa, mas é um resultado direto de padrões de patrocínio: Padroeiros romanos queriam o prestígio da cultura grega, e artistas responderam em conformidade.

O Programa Augusto: Arte como Propaganda Imperial

Augusto, o primeiro imperador romano, compreendeu o poder da imagem. Depois de chegar ao poder em 27 a.C., embarcou em uma campanha sistemática para remodelar a paisagem visual de Roma. Ele se vangloriava de que “encontrava Roma uma cidade de tijolo e a deixava uma cidade de mármore”. Esta não era uma hipérbole: sob Augusto, Roma passou por uma transformação que usou arquitetura, escultura e arte pública para projetar uma mensagem de paz, prosperidade e autoridade imperial. Seu patrocínio incluía o Fórum de Augusto com seu Templo de Marte Ultor, a Ara Pacis (Altar da Paz), e numerosas estátuas que o retratavam como um líder jovem, semelhante a Deus.

O Augusto de Prima Porta é um exemplo magistral de retrato imperial. Combina um rosto de retrato realista com um corpo idealizado, um peitoral que mostra o retorno dos padrões romanos de Parthia, e um cupido que corre aos pés de golfinhos para dar a dica da linhagem divina através de Vênus. Esta mistura de realismo e alegoria tornou-se uma marca da arte imperial romana. Cada elemento foi escolhido para transmitir uma mensagem política: o peitoral narra uma vitória diplomática, a pose ecoa Polykleitos’ Dórios para ligar Augusto com ideais artísticos gregos, e as referências divinas afirmam sua legitimidade como herdeiro de Júlio César e fundador de uma nova era dourada.

A Ara Pacis, dedicada em 9 a.C., estendeu esta propaganda em ritual público. Os relevos do altar mostram o processamento familiar imperial em uma cerimônia religiosa, com Augusto à cabeça. As crianças aparecem proeminentemente – uma mensagem sobre a continuidade dinástica e a promessa de uma nova geração. Cenas mitológicas nos painéis laterais ligam Augusto com os lendários fundadores de Roma, Enéus e Rômulo. O altar não era apenas um monumento religioso; era uma constituição visual do regime augusta, uma declaração de que a restauração da República (como afirmava Augusto) estava completa e que a paz tinha sido assegurada através da autoridade imperial.

Other Major Imperial Patrons:
  • Imperador Cláudio: construiu o Aqua Claudia e o porto de Ostia, promovendo a infraestrutura como arte pública. Seu patrocínio enfatizou benefícios práticos para o povo romano, enquanto demonstrava competência imperial.
  • Imperador Nero: encomendou o Domus Aurea (Casa de Ouro), um complexo de palácio que se estendeu que empurrou pintura afresco e inovação arquitetônica.O Domus Aurea[ foi mais tarde influente durante o Renascimento, quando artistas como Raphael e Michelangelo estudaram suas câmaras subterrâneas e copiaram seus esquemas decorativos.
  • O Imperador Vespasiano: começou o Coliseu (anfiteatro flávio), financiado por despojos da guerra judaica, como um presente ao povo romano e um símbolo do poder flaviano. O Coliseu representou uma mudança do luxo privado de Nero para a benefação pública, uma rejeição deliberada dos excessos de seu antecessor.
  • O imperador Trajan: construiu o Fórum, Mercado e Coluna de Trajan (a coluna decorada com um alívio espiral que conta suas guerras dacianas). O escultor da coluna, provavelmente Apolodoro de Damasco, trabalhou diretamente sob comissão imperial para criar uma narrativa que celebrava o poder militar e a autoridade imperial. O Fórum foi o maior complexo de fórum imperial, projetado para impressionar os visitantes com a escala do poder romano.
  • Imperador Adriano: patrono do Panteão (reconstruído com sua cúpula maciça de concreto), sua vila em Tivoli, e o Templo de Vênus e Roma. Adriano era um arquiteto e amante de arte, e seu patrocínio incentivou a experimentação com formas estruturais. A cúpula do Panteão, com seu teto e o oculus central, continua a ser uma maravilha de engenharia e um testamento para a construção de concreto romano.

Cada um desses patronos usou a arte para enfrentar desafios políticos específicos. Vespasiano precisava se distanciar de Nero e legitimar uma nova dinastia; Trajano precisava celebrar suas conquistas militares e estabilidade de projetos; Adriano, que viajou extensivamente através do império, usou a arquitetura para expressar uma visão de um mundo romano unificado, cosmopolita. A flexibilidade do patrocínio imperial permitiu que cada imperador carimbar sua personalidade e prioridades no tecido visual de Roma e das províncias.

O papel dos Padroeiros Privados e da Elite

Enquanto o imperador era o supremo patrono, senadores ricos, libertos e governadores provinciais também encomendaram arte. As villas romanas foram cheias de cópias de estátuas gregas, afrescos (como os de Pompéia e Herculano), e mosaicos. Este mercado de arte espalhou estilos clássicos através do Mediterrâneo. No entanto, o patronato imperial definiu o tom: retratos oficiais do imperador foram distribuídos ao longo do império, e elites locais muitas vezes imitaram estilos imperiais para mostrar a sua lealdade. O busto de retratos romanos ] tradição — realista e muitas vezes desagradante em sua representação do envelhecimento — foi impulsionado por famílias senatoriais que queriam enfatizar ]] (verdade] e linhagem ancestral, uma prática que continuou no período imperial.

A casa dos Vettii em Pompéia demonstra como os patronos privados imitavam os gostos imperiais. Seus afrescos incluem cenas mitológicas enquadradas por fantasias arquitetônicas elaboradas, ecoando os esquemas decorativos de Nero ]. Os donos, libertos que se enriqueceram através do comércio, estavam usando a arte para afirmar seu status social em uma sociedade que ainda olhava para baixo em suas origens. Da mesma forma, o túmulo do Haterii, um monumento funerário para uma família de construtores, combina bustos retrato realistas com relevos arquitetônicos elaborados que celebram a contribuição da família para a infraestrutura de Roma. Esses patronos privados não eram consumidores passivos de imagens imperiais; eles ativamente adaptaram e reinterpretaram para seus próprios propósitos.

Na Gália, Espanha, Norte da África e nas províncias orientais, as elites locais financiaram templos, teatros e banhos modelados em protótipos romanos. A Maison Carrée em Nîmes, um templo romano bem preservado, foi construída com fundos locais, mas seguiu o modelo augusta do Fórum de Augusto. A biblioteca de Celsus em Éfeso foi financiada por um cônsul romano local como monumento ao seu pai, misturando formas arquitetônicas gregas com a função comemorativa romana. A Patronagem, neste sentido, era um mecanismo de integração cultural – uma maneira para os provinciais demonstrarem sua identidade romana e ganharem o favor do centro imperial.

Impacto em Estilos e Técnicas Artísticas

O patronato imperial influenciou diretamente a evolução dos estilos de arte clássica. Na Grécia, as comissões estatais e aristocráticas levaram artistas a um naturalismo e idealização cada vez maiores.O trabalho de Polikleitos estabeleceu um cânone de proporções que buscavam capturar a figura humana perfeita. Posteriormente, os governantes helenistas financiaram esculturas dramáticas e emocionais como o Dying Gaul e o Altar de Zeus[]—uma mudança para o teatro que refletia o patrono competitivo dos reinos sucessores.O desejo de impressionar rivais e sujeitos levou a composições maiores, mais complexas, maior atenção à expressão emocional, e uma disposição para explorar a dor, a idade e a diferença étnica como sujeitos.

Em Roma, o patronato imperial promoveu uma mistura pragmática de idealismo grego e realismo romano. Os artistas romanos se destacaram em retrato, relevo histórico e escultura arquitetônica. A ]Ara Pacis e o Coluna de Trajan introduziram alívio narrativo contínuo que permitiu que imperadores contassem histórias complexas de conquista e ritual. Os fundos imperiais também permitiram inovações técnicas: construção de concreto (permitindo cúpulas como o Panteão), fundição em bronze em grande escala, e o uso de mármore de pedreiras imperiais. A profissionalização dos artistas e o estabelecimento de oficinas (muitas vezes de estado) garantiu qualidade consistente e a disseminação de imagens imperiais através do império.

O sistema de patrocínio também influenciou a formação artística. Na Grécia e Roma, os jovens artistas aprenderam o seu ofício em oficinas ligadas a grandes projetos. A escala das comissões imperiais significava que os artistas podiam especializar-se – alguns se tornando especialistas em retrato, outros em escultura arquitetônica, outros ainda em mosaico ou fresco. Esta especialização impulsionava o refinamento técnico e permitia que os artistas individuais desenvolvessem estilos distintos dentro dos parâmetros estabelecidos por seus patronos. O escultor do Augusto de Prima Porta] estava claramente trabalhando em uma tradição que devia muito a Polykleitos, mas ele adaptou o cânone clássico para atender às necessidades romanas de retrato e alegoria política.

Padroeiros gregos favoreceram o bronze para as principais estátuas, com mármore reservado para decoração arquitetônica e obras menores. Padroeiros romanos, por contraste, tiveram acesso a vastas pedreiras imperiais de mármores coloridos de todo o império — amarelo númidiano, roxo frígio, granito egípcio — e usaram estes materiais de forma generosa para criar um efeito visual de riqueza, poder e alcance imperial. O uso de mármore importado era em si uma declaração de patronato, demonstrando que o imperador ou patrono de elite poderia comandar recursos de todo o mundo mediterrâneo.

Legado de Padroeira Imperial em Arte Clássica

A influência do patronato grego e romano não terminou com a antiguidade. Após a queda do Império Romano Ocidental, muitas obras de arte clássicas foram destruídas ou enterradas, mas a tradição do patronato sobreviveu — primeiro no Império Bizantino, depois no Renascimento. Nos séculos XV e XVI, patronos italianos como a família Médici estudaram modelos romanos e artistas financiados como Michelangelo e Rafael, conscientemente revivendo formas clássicas. A descoberta de coleções de esculturas romanas (como o ] Laocoön, desenterrado em 1506) despertou um renovado interesse em ideais clássicos de proporção e expressão.

O Renascimento foi, em muitos aspectos, um renascimento do próprio sistema de patrocínio. Assim como Péricles tinha financiado Phídias e Augusto tinha financiado o Ara Pacis, papas renascentistas, príncipes e comerciantes encomendaram arte para glorificar a si mesmos e suas cidades. O Vaticano, o Palácio Medici, e o Scuola di San Rocco são todos produtos de um sistema de patrocínio que conscientemente modelou-se em precedentes clássicos. O teto da Capela Sistina de Michelangelo foi encomendado pelo Papa Júlio II, que herdou a ambição imperial de seus antecessores antigos. Estanze de Rafael foram decorados sob o patrocínio de Júlio e Leão X, que queria se posicionar como herdeiros de Augusto e Hadriano.

O movimento neoclássico dos séculos XVIII e XIX levou ainda mais esse renascimento, emulando diretamente as formas e os temas da arte clássica. Artistas como Jacques-Louis David trabalharam sob o patrocínio da França revolucionária e mais tarde Napoleão, criando pinturas que evocavam conscientemente a virtude cívica romana. David Oath of the Horatii (1784) foi encomendado pelo Estado francês e usou assunto clássico para comentar sobre ideais políticos contemporâneos. Esta ligação direta entre o patrocínio clássico e a arte política moderna demonstra o poder duradouro do modelo estabelecido na Grécia e Roma.

Como o legado se manifesta hoje

  • Arquitetura: Edifícios neoclássicos, do Capitólio dos EUA ao Museu Britânico, ecoam diretamente os templos e fóruns da Grécia e Roma, uma continuação dos sistemas de patrocínio que promoveram tais formas. Edifícios governamentais, bancos e museus em todo o mundo usam colunas clássicas, pedimentos e cúpulas para projetar autoridade e permanência.
  • Monumentos públicos: O arco triunfal (Arc de Triomphe em Paris, portão de Brandemburgo) e a estátua equestre derivam de comissões imperiais romanas. Estas formas continuam a ser usadas para memoriais de guerra e monumentos cívicos, carregando as mesmas mensagens de vitória, sacrifício e memória coletiva que levaram o patronato romano.
  • Retrato:] Os bustos realistas e retratos oficiais de líderes ainda se baseiam em tradições verísticas romanas, enfatizando a autoridade e o caráter.Os retratos presidenciais na Casa Branca devem algo à tradição de busto de retratos romanos, assim como as fotografias e pinturas oficiais que pendem em edifícios governamentais em todo o mundo.
  • Educação de arte: A tradição acadêmica de desenhar de moldes clássicos origina-se no renascimento renascentista de ideais de patronato clássico. As escolas de arte do século XVI até o presente têm usado cópias de esculturas gregas e romanas como ferramentas de ensino, transmitindo ideais clássicos de proporção e forma para gerações de artistas.
  • Instituições culturais: Museus modernos, muitas vezes financiados por doadores estatais ou ricos, continuam o papel do patrono na preservação e exibição da arte.O Museu Metropolitano de Arte, o Museu Britânico e o Louvre são todas formas modernas de patrocínio, usando recursos institucionais para coletar, conservar e exibir arte para benefício público.

Compreender o papel dos patronos imperiais nos ajuda a ver a arte clássica não como uma série de obras-primas isoladas, mas como uma dinâmica conversa entre riqueza, poder e criatividade. O Partenon não era apenas um templo; era uma declaração de domínio ateniense. A Coluna de Trajan não era apenas um monumento; era uma lição de história pública. O sistema de patrocínio tornou essas obras possíveis e as codificou com significados que ainda ressoam. Hoje, quando debatemos o financiamento público para as artes ou o papel de doadores privados em instituições culturais, estamos nos envolvendo com as mesmas questões que animaram Pericles e Augustus: quem deve pagar pela arte, e o que deve dizer essa arte?

Conclusão: Padroeira como o motor da inovação

O patrocínio imperial na Grécia e Roma foi mais do que apoio financeiro – era a força motriz por trás do estilo, escala e sobrevivência da arte clássica. Cidades-estados gregos e imperadores romanos reconheceram que a arte poderia aumentar seu prestígio, comunicar seus valores, e imortalizar suas realizações. Os artistas que eles financiaram responderam com domínio técnico e ousadia criativa, produzindo obras que definiram os padrões para a arte ocidental por mais de dois milênios. Sem o patrocínio, o Partenon não teria sido construído, o Augusto de Prima Porta não teria sido esculpido, e o legado da arte clássica seria muito mais pobre.

Hoje, enquanto admiramos as colunas de um edifício neoclássico ou o busto de um pai fundador, estamos testemunhando a sombra duradoura desses antigos patronos. Seus nomes – Péricles, Augustus, Trajan, Hadrian – são lembrados em parte por causa da arte que eles encomendaram. A lição é clara: a relação entre poder e arte, embora repleta de potencial para propaganda, também produziu alguns dos maiores tesouros culturais da humanidade. Para entender plenamente a arte clássica, devemos entender os patronos que a forjaram. Suas ambições, rivalidades e cálculos políticos moldaram não só a arte de seu próprio tempo, mas toda a tradição artística ocidental que se seguiu.

]Para mais informações, ver:]
— Parthenon (detalhes do programa de construção Periclean]
— Ara Pacis[ (propaganda augusta em escultura de relevo)
— Column of Trajan (resgate narrativo e patrocínio imperial)
— Colosseum[[ (padronato flávio e espetáculo público)
— Augutus of Prima Porta (imperial retrateure combinada com alegoria)