De drijvende wereld neemt vorm aan

Japanse houtblokdruk, algemeen bekend als ukiyo-e of "foto's van de drijvende wereld," is veel meer dan een artistiek genre; het vertegenwoordigt een fundamentele verschuiving in hoe kunst geproduceerd, gedistribueerd en geconsumeerd kan worden. Uit de handelsklasse cultuur van de Edo-periode, deze prenten reisde uit de bruisende straten van Tokio (voorheen Edo) over de hele wereld, upend eeuwen van Europese artistieke traditie en het leggen van de basis voor modern design. Het verhaal van ukiyo-e is een verhaal van techniek, handel, en een buitengewone daad van cross-culturele bestuiving die blijft terugkeren door middel van hedendaagse visuele cultuur.

Om de impact ervan te begrijpen, moet men eerst kijken naar de maatschappij die het geproduceerd. De Edo periode (1603

De Japanse prent was geen hoogwaardig object in de westerse zin van het woord. Het was massamedia. Het functioneerde als theaterposters, reissouvenirs, modecatalogi en zelfs literaire illustraties. Deze zeer commerciële ..zijn vertrouwen op breed publiek en snelle productie toegestaan het te ontwikkelen esthetische eigenschappen die radicaal anders waren dan de olieverf doeken van Europa. De kunstenaar, of eshi, ontwierp het beeld, maar het eindproduct was een gezamenlijke inspanning van de carver (]) hanmoto, die het zakelijke risico beheerde. Dit gedistribueerde auteurschap gaf ukiyo-e een uniek karakter dat later zou bevrijden van westerse kunstenaars die vastzitten door het gewicht van de academische traditie.

De anatomie van een meesterwerk

Het technische proces achter ukiyo-e was buitengewoon ingewikkeld en vereiste een arbeidsverdeling die bijna industrieel is in zijn precisie, maar volledig ambachtelijk in zijn uitvoering. Om te begrijpen waarom deze prenten er zo uitzagen, is het essentieel om te begrijpen hoe ze gemaakt zijn.

Ten eerste creëerde een kunstenaar als Katsushika Hokusai of Utagawa Hiroshige een meestertekening in sumi-inkt op dun papier. Deze tekening werd geplakt met de gezichts-laag op een blok van wilde kersenhout, gekozen voor zijn dichte, zelfs korrel. De meester carver schraapte vervolgens het papier weg om de inktlijnen te onthullen, en begon het zorgvuldige proces van het snijden van de sleutelblok (omohan), waardoor de lijnen van de kunstenaar in scherpe reliëf.

Zodra het sleutelblok in zwart was gedrukt, werd het gebruikt om een serie registratiemerken te creëren (kento). Deze kleine, gesneden L-vormige gidsen waren het geheim van de Japanse prentprecisie. Voor elke kleur in de uiteindelijke afdruk werd een twintigtal of meer afzonderlijke kleurblok] (] tsubo-ita) uitgehouwen. De printer gebruikte toen natuurlijke pigmenten gemengd met rijstpasta op elk blok en registreerde elke kleur perfect tegen de kento. Dit stond toe voor schitterende, platte lagen van kleur die niet in één ander bloedden.

Het esthetische resultaat van deze techniek was duidelijk. Platte vlakken van pure kleur werden begrensd door nauwkeurige, stromende zwarte contouren. Er was geen lineair perspectief zoals vastgesteld in de Renaissance, geen chiaroscuro naar model volume, en vaak geen centraal knooppunt. In plaats daarvan, de compositie gebruikte vet diagonalen, bijgesneden figuren, en onverwachte gezichtspunten .traits die organisch ontstonden uit het snijden en drukproces, en die westerse kunstenaars later zou nemen als een bewuste rebellie tegen naturalisme.

De esthetische code: een andere manier van zien

Naast techniek belichaamde ukiyo-e specifieke Japanse esthetische idealen die een krachtig alternatief voor het westerse classicisme vormden.Het concept van iki (gespiriteerd, verfijnd chic) benadrukte ondergewaardeerde elegantie en spontaniteit. [Wabi-sabi vond schoonheid in onvolmaaktheid en doorschijning, een schitterend contrast met de Europese streven naar eeuwige, geïdealiseerde vormen.De ukiya-e drukmeester was vaak gericht op fukei] (landschap) niet als een statische achtergrond, maar als een dynamische kracht, zoals gezien in Hokusai's ] Dertig-six Weights of Mount Fuji[

Dit diepe respect voor de decoratieve lijn, het platte vlak en de schoonheid van de wereldse was een openbaring. Het suggereerde dat kunst geen raam op een driedimensionale wereld hoeft te zijn. Het kan een oppervlak, een patroon, een opstelling van vormen en kleuren zijn ontworpen om het oog direct te behagen.

De grote golf breekt op de westelijke shores

De komst van ukiyo-e in het Westen is een verhaal van de handel winden en wikkelpapier. Na de opening van Japan in de jaren 1850, na eeuwen van beperkt contact via de Nederlandse Oost-Indische Compagnie (VOC), Japanse goederen overstroomde Europese markten. Thee, keramiek en lakwerk werden vaak verpakt in ukiyo-e prenten voor bescherming. Deze afgedankte verpakkingen waren de eerste monsters van Japanse kunst die veel Europese kunstenaars ooit zagen. De officiële tentoonstellingen de Internationale Tentoonstelling van 1862 in Londen en de Expositie Universelle van 1867 in Parijs]] brachten de Japanse esthetiek in het openbaar, wat een rage bekend als Japonisme .

Voor kunstenaars werd het tegenkomen van een ukiyo-e-print vaak beschreven als een moment van schok en bevrijding. De starre regels van de Franse Academie ..die gepolijste afwerking, correct perspectief, en nobele onderwerp materie was geworden een dwangbuis. De Japanse druk bood een sleutel om te ontsnappen.

De impressionisten en post-impressionisten

Claude Monet was een vroege adopteerder. Hij vulde zijn huis te Giverny met Japanse prenten, en hun invloed is onmiskenbaar in zijn schilderijen. De asymmetrische samenstelling van La Japonaise[], de bijgesneden vormen, en de afgeplatte ruimte in zijn latere waterlelieschilderijen lenen allemaal rechtstreeks uit de ontwerptaal van de Japanse prent. Monet kopieerde niet alleen de motieven; hij internaliseerde de compositielogica.

James McNeill Whistler nam Japonisme in een meer atmosferische richting. Zijn serie Nocturnes[] schilderscènes van de Theems bij schemering met behulp van de gedempte, tonale harmonieën en schaarse, elegante composities van Hiroshige. Zijn beroemde Arrangement in Grey and Black No. 1[] (Whistler's Mother) kan worden gezien als een radicale oefening in Japans geïnspireerde vlakheid en abstractie, waardoor een menselijk onderwerp wordt gereduceerd tot een krachtige, formele arrangement van verticale en horizontale vlakken.

Misschien kwam de meest directe en gepassioneerde verloving van Vincent van Gogh. Hij verzamelde honderden prenten en schreef beroemd: "Op een bepaalde manier benijd ik de Japanners de extreme helderheid die alles in hun werk heeft. Het is nooit vervelend en lijkt nooit te haastig gedaan te worden... Hun werk is zo eenvoudig als ademhalen, en ze doen een figuur in een paar slagen met hetzelfde gemak als het zo eenvoudig als het knopen van iemands taille.' Van Gogh maakte exacte olieverfafdrukken van Hiroshige en Keisai Eisen, zorgvuldig de Japanse karakters in de grenzen.

Edgar Degas vond een andere soort bevrijding in ukiyo-e. De radicale bewerking en buiten-centrum framing die door kunstenaars als Kiyonaga werd gebruikt gaf Degas de licentie om figuren af te snijden aan de randen van zijn doek, waardoor een snapshot effect ontstond waardoor zijn schilderijen van balletdansers en baders zich onmiddellijk en openhartig voelden. De scherpe diagonalen en hoge horizonten van Japanse prenten lieten hem de podium-achtige diepte van de traditionele Salonschildering verlaten.

De Whiplash van Art Nouveau

Toen het impressionisme plaats maakte voor post-impressionisme en symbolisme, bereikte de decoratieve impact van Japonisme zijn hoogtepunt in de Art Nouveau beweging van de jaren 1890. De kenmerken van de beweging bepalende kenmerken de whiplash curve, de organische, vloeiende lijn, en de integratie van fijne en decoratieve strips werden door de Japanse druk niet bepaald.

Alfons Mucha vertaalde de elegante, vloeiende contouren van ukiyo-e in de postervorm, omringd door zijn etherische vrouwen met ingewikkelde bloemen halo's en geometrische patronen.De Amerikaanse kunstenaar Aubrey Beardsley[] was een expert in de Japanse lijn, met behulp van stark zwart-wit contrasten en decadente, bochtige vormen om een duidelijk moderne, erotische en morbide stijl te creëren. In glaswerk, de kunstenaar Louis Comfort Tiffany[] nam de asymmetrische ontwerpen en natuurlijke motieven van de Japanse kunst, weg van de symmetrie van de Europese traditie.

De Japanse prent leerde Art Nouveau dat decoratie geen minder kunst was. Dezelfde esthetische principes die een Hokusai golf bestuurden konden een meubelstuk, een vaas of een gebouw besturen. De ukiyo-e meester was een ontwerper, en dit concept van de kunstenaar-ontwerper werd centraal in de bewegingen van de 20e eeuw.

Architectuur, Blauwdrukken en de Avant-Garde

Toen de 20e eeuw aanbrak, was de invloed van ukiyo-e overtroffen schilderkunst en decoratie om de fundamentele principes van moderne architectuur en grafisch ontwerp te informeren.De architect Frank Lloyd Wright was een vraatzuchtige verzamelaar van Japanse prenten, die ze als primaire bron van inspiratie gebruikte. Hij zag daarin een diepe les in abstractie en geometrisatie. De eliminatie van het centrum, de nadruk op horizontale en verticale lijnen, de integratie van interieur- en buitenruimten, al deze architectonische werken kunnen direct worden herleid tot Wrights studie van ukiyo-e. Zijn vroege beschermheer, de Tokaido Highway tentoonstelling, versterkte zijn liefde voor het afgeplatte perspectief en duidelijke organisatie van Hiroshige's prenten.

De Duitse school Bauhaus, de incubator van modern industrieel ontwerp, absorbeerde ook de lessen van de Japanse houtblokprint. Het Bauhaus legt de nadruk op de waarheid over materialen, eenvoud van vorm, en de vereniging van kunst en ambacht resoneerde met het samenwerkende, ambachtelijke productiemodel van de ukiya-e workshop. De output van de Bauhaus schone, functionele en grafisch gedurfde ..beschuldigt de Japanse esthetiek van helderheid en vermindering.

Deze lijn strekt zich direct uit tot grafisch ontwerp en posterkunst. De platte kleuren, vet typografie en dynamische composities van hedendaags posterontwerp, van het Zwitserse modernisme tot de psychedelische posters van de jaren zestig, zijn echo's van de Japanse prent. De .less is meer een mantra van zo veel moderne vormgeving is op vele manieren een vertaling van het iki]principe van verfijnde eenvoud gevonden in ukiyo-e.

Continuïteit en transformatie in Japan

Terwijl ukiyo-e het Westen transformeerde, evolueerde de traditie binnen Japan in de 20e eeuw. De Shin-Hanga (Nieuwe Print) beweging, geleid door uitgever Watanabe Shozaburo, trachtte de traditionele ukiyo-e esthetiek te doen herleven door het opnieuw te integreren met moderne Westerse technieken zoals naturalistisch licht en schaduw. Kunstenaars als Kawase Hasui en Tsuchiya Koitsu produceerden landschappen die nostalgisch en diep atmosferisch voelden, wat bewijst dat de houtblokprint kon concurreren met fotografie en olieverfschilderij in het vastleggen van moderne stemmingen.

De Sosaku-Hanga (Creative Print) beweging brak daarentegen radicaal met traditie. Kunstenaars werden hun eigen ontwerpers, carvers en printers, die de arbeidsverdeling afwezen om zeer individuele, expressionistische werken te produceren. Deze beweging was nauw afgestemd op het westerse ideaal van de kunstenaar als een enkelvoud en toonde hoe de cross-culturele invloed een tweerichtingsstraat was geworden. De kunstenaar van Sosaku was een directe voorouder van de moderne prentkunstenaar, die in beperkte edities werkte en de grenzen van papier en inkt verlegende.

pixels en pigmenten

De erfenis van de Japanse houtblokprint blijft levendig in de 21e eeuw. De visuele economie van ukiyo-e de vetgedrukte lijn, de platte kleur, de dynamische compositie ..is de standaardtaal van veel van moderne illustratie en grafische romans[], vooral manga. De invloed is duidelijk, natuurlijk, in historische manga, maar het gaat dieper in het gebruik van schermtonen, dynamische hoeken, en vereenvoudigde achtergronden om actie en emotie over te brengen.

In het digitale rijk gebruiken videogames als Ghost of Tsushima en ] [52]kami[] expliciet het esthetische palet van ukiyo-e, waardoor spelers een "zwevende wereld" kunnen bewonen. De visuele stijl van Studio Ghibli's films, met name de werken van Hayao Miyazaki, draagt het DNA van Hiroshige's landschappen, met hun uitgestrekte, uitgestrekte hemellandschappen en zorgvuldige aandacht voor wind en water.

Hedendaagse kunstenaars over de hele wereld blijven de formele en conceptuele mogelijkheden van de houtblokprint ontduiken. Ze gebruiken haar gelaagde benadering om te collageren, om de politiek aan te pakken, en identiteit te verkennen. De geschiedenis van de prent als een massamedium ontworpen om goedkoop, meervoudig en toegankelijk te zijn maakt het een krachtig hulpmiddel voor kunstenaars die willen spreken met een breed publiek, net als Hokusai en Hiroshige eeuwen geleden.

Een continue gesprek

De Japanse houtblokprint was nooit alleen een stijl om geleend te worden. Het was een compleet alternatief model van wat kunst zou kunnen zijn. Het toonde aan dat grote kunst niet uniek, groot of duur hoeft te zijn. Het kon klein, intiem en reproduceerbaar zijn. Het bewees dat een kunstenaar kon werken in samenwerking en nog steeds een meesterwerk produceren. En het bood een radicale visuele taal van vlakheid, lijn, en abstractie die hielp het westerse schilderij uit de 19e eeuw en in de moderne tijd.

Vanaf het moment dat de eerste druk werd uitgepakt uit een stuk porselein in Parijs, een gesprek begon tussen twee grote artistieke tradities. Dat gesprek is nooit gestopt. Het gaat door in elke grafische ontwerper die plannen een lay-out, elke illustrator die een gedurfde lijn trekt, en elke kunstenaar die de schoonheid van het oppervlak voor hen beschouwt. De drijvende wereld, het blijkt, was niet efemeral helemaal. De stromingen zijn nog steeds stromen.