L'influenza della stampa di Woodblock giapponese sui movimenti d'arte globali

Una volta che il blocco chiave è stato stampato in nero, è stato utilizzato per creare una serie di segni di registrazione (kento]]]). Queste minuscole guide a forma di L erano il segreto della precisione della stampa giapponese. Per ogni colore nella stampa finale, a volte venti o più, un blocco di colore separato ([FTSF]

Il risultato estetico di questa tecnica era distinto: piani piani piatti di colore puro erano delimitati da precisi contorni neri, non c'era una prospettiva lineare come stabilito nel Rinascimento, nessun chiaroscuro a modello di volume, e spesso non c'era un punto focale centrale.

Il Codice Estetico: Un modo diverso di vedere

[LT] Il concetto di [FLT] [[L'inseguimento] di un'eterna bellezza [Tl] [[L'inseguimento] [[L'inseguimento]] [[L'inseguimento di] [L'inseguimento di Fuji] [[L'inseguimento di] [[L'inseguimento di]

Questo profondo rispetto per la linea decorativa, il piano di immagine piatto, e la bellezza del mondano era una rivelazione. Ha suggerito che l'arte non ha bisogno di essere una finestra su un mondo tridimensionale. Potrebbe essere una superficie, un modello, una disposizione di forme e colori progettati per piacere direttamente l'occhio.

Le grandi onde si rompono sugli urti occidentali

L'arrivo dell'uciyo-e in Occidente è una storia di venti commerciali e carta da imballaggio. Dopo l'apertura del Giappone nel 1850, dopo secoli di contatto limitato attraverso la Compagnia Olandese delle Indie Orientali (VOC), i beni giapponesi hanno inondato i mercati europei. Il tè, la ceramica e la laccatura sono stati spesso avvolti in stampe ukiyo-e per la protezione.

Per gli artisti, incontrare una stampa ukiyo-e è stato spesso descritto come un momento di shock e liberazione. Le rigide regole dell'Accademia francese - che richiedevano finitura lucida, prospettiva corretta e materia nobile soggetto - erano diventate una camicia di forza. La stampa giapponese offriva una chiave per fuggire.

Gli impressionisti e post impressionisti

Claude Monet[] era un adottivo precoce. Riempiva la sua casa a Giverny con stampe giapponesi, e la loro influenza è inconfondibile nei suoi dipinti. La composizione asimmetrica di La Japonaise, le forme ritagliate, e lo spazio appiattito nella sua lily pittura di lingua in prestito direttamente tutti i dipinti di traduzione in prestito.

James McNeill Whistler] ha preso Japonisme in una direzione più atmosferica. La sua serie di Nocturnes dipinge scene del Tamigi a crepuscolo utilizzando le armonie tonali mute e le composizioni rare ed eleganti di Hiroshige.

Forse l'impegno più diretto e appassionato è venuto da Vincent van Gogh. Ha raccolto centinaia di stampe e ha scritto famosamente, "In un certo senso, invidio i giapponesi l'estrema chiarezza che tutto ha nel loro lavoro.

Edgar Degas[] ha trovato un diverso tipo di liberazione in ukiyo-e. Il cropping radicale e il fuori-centro inquadramento utilizzato da artisti come Kiyonaga ha dato a Degas la licenza di tagliare figure ai bordi della sua tela, creando un effetto istantaneo che ha fatto i suoi dipinti di ballerini di danza e bagnanti si sentono immediatamente e candidi palco.

Il Whiplash dell'Art Nouveau

Come l'Impressionismo ha dato il via al post-impressionismo e al simbolismo, l'impatto decorativo di Japonisme ha raggiunto il suo picco nel movimento [Art Nouveau[[[]]]]] degli anni 1890. Le caratteristiche del movimento sono le caratteristiche distintive: la curva biancastra, la linea organica, fluente e l'integrazione di belle arti decorative, erano profondamente modellate dalla stampa giapponese.

Alphonse Mucha[]] tradusse gli eleganti e fluenti contorni di ukiyo-e nella forma di poster, circondando le sue donne eteree con intricati fiammiferi floreali e motivi geometrici. L'artista americano Aubrey Beardsley] era un esperto nella linea giapponese, usando forme di curvatura di stile erotico e di contrasto moderno

La stampa giapponese insegnava all'Art Nouveau che la decorazione non era un'arte minore, gli stessi principi estetici che governavano un'onda Hokusai potevano governare un pezzo di mobili, un vaso o un edificio. Il maestro ukiyo-e era un designer, e questo concetto dell'artista-designer divenne centrale ai movimenti del XX secolo.

Architettura, Blueprint e Avant-Garde

Come il XX secolo si è alzato, l'influenza della pittura e della decorazione trascendente di ukiyo-e per informare i principi fondamentali dell'architettura moderna e del design grafico. L'architetto Frank Lloyd Wright[] era un vorace collezionista di stampe giapponesi, usandole come fonte primaria di ispirazione.

La scuola tedesca Bauhaus[[]], l'incubatore del design industriale moderno, ha assorbito anche le lezioni della stampa giapponese a blocchi di legno. Il Bauhaus sottolinea la verità ai materiali, la semplicità della forma e l'unione dell'arte e dell'artigianato risuonò con la chiarezza collaborativa e artigianale del laboratorio ukiyo-e.

Questo lignaggio si estende direttamente in ] design grafico e poster art]. I colori piatti, la tipografia audace e le composizioni dinamiche del design dei poster contemporanei, dal modernismo svizzero ai poster psichedelici degli anni '60, sono eco della stampa giapponese.

Proseguimento e trasformazione in Giappone

Mentre l'uckiyo-e stava trasformando l'Occidente, la tradizione all'interno del Giappone si stava evolvendo nel XX secolo. Il movimento Shin-Hanga[ (New Print), guidato dall'editore Watanabe Shozaburo, ha cercato di rivivere l'estetica tradizionale ukiyo-e reintegrandola con tecniche occidentali moderne come la luce e l'ombra naturalistica.

Al contrario, il movimento Sosaku-Hanga (stampa creativa) si è rotto radicalmente con la tradizione. Gli artisti sono diventati i loro progettisti, carver e stampanti, rifiutando la divisione del lavoro per produrre opere altamente individuali ed espressionistiche. Questo movimento si allinea a stretto contatto con l'ideale occidentale dell'artista come un genio singolare, dimostrando come l'influenza trasversale-culturale era diventata una due-scenso moderna.

Pixel e pigmenti

L'eredità della stampa giapponese di blocchi di legno persiste vividamente nel XXI secolo. L'economia visiva di ukiyo-e—la linea grassa, il colore piatto, la composizione dinamica—è il linguaggio predefinito di gran parte di illustrazione moderna] e ]] romanzi grafici, in particolare manga.

Nel regno digitale, i videogiochi come ]Ghost di Tsushima e Ōkami[] usano esplicitamente la tavolozza estetica di ukiyo-e, permettendo ai giocatori di abitare un "mondo galleggiante". Lo stile visivo dei film dello Studio Ghibli, in particolare le opere di Hayaoscape Miyazaki, porta il DNA di Hipanshi.

Gli artisti contemporanei di tutto il mondo continuano a minare le possibilità formali e concettuali della stampa a blocchi di legno, sfruttando il suo approccio a strati al collage, per affrontare la politica e per esplorare l'identità. La storia della stampa come mezzo di massa, progettato per essere economico, multiplo e accessibile, lo rende un potente strumento per gli artisti che vogliono parlare ad un vasto pubblico, proprio come Hokusai e Hiroshige ha fatto secoli fa.

Conversazione continua

La stampa giapponese del legno non è mai stata solo uno stile da prendere in prestito, ma un modello alternativo completo di quello che potrebbe essere l'arte. Ha dimostrato che la grande arte non deve essere unica, grande o costosa. Potrebbe essere piccola, intima e riproducibile.

Dal momento in cui la prima stampa non è stata svincolata da un pezzo di porcellana a Parigi, è iniziata una conversazione tra due grandi tradizioni artistiche, che non si è mai fermata. Continua in ogni graphic designer che progetta un layout, ogni illustratore che disegna una linea audace, e ogni artista che considera la bellezza della superficie prima di loro. Il mondo galleggiante, a quanto pare, non è stato effimero affatto.