L'histoire du Luth : des origines anciennes à l'héritage baroque

Le luth est l'un des instruments à cordes les plus emblématiques et les plus significatifs de l'histoire de la musique occidentale. Son corps en forme de poire, son dos voûté et son cou fretted ont produit un ton chaleureux et résonant qui a captivé les musiciens et le public pendant des siècles. Bien que souvent associé aux périodes Renaissance et baroque, la lignée de luth s'étend sur des milliers d'années, traversant les continents et les cultures.

Qu'est-ce qui définit un luth?

Avant de plonger dans l'histoire, il aide à comprendre ce qui distingue un luth des autres instruments à cordes. Le luth européen classique dispose d'un dos arrondi en bandes de bois (grittes), d'une table de son plate avec un trou sonore à une ou trois roses, et d'un cou avec des frettes d'intestin attachées autour. En général, le luth a six parcours de cordes (avec le parcours supérieur souvent simple), accordé en intervalles de quatrièmes avec un tiers majeur au milieu. Le luth harmonique, G‐c‐f‐a‐d=»‐g(ou similaire), lui a donné une flexibilité d'accord et mélodique unique.

Les ancêtres anciens et le voyage en Europe

Les ancêtres du luth se trouvent dans les anciennes Mésopotamies, en Égypte et en Asie centrale. Les premières représentations connues d'instruments à cordes ressemblant au luth apparaissent dans les artefacts mésopotamiens d'environ 3000 av. J.-C. Le tanbur (un luth à long cou) et le oud (un instrument à court cou et sans fretless en forme de poire) du monde arabe sont des prédécesseurs directs. L'oud, en particulier, a été introduit en Europe par les Maures en Espagne et par les Croisades.

Les luths médiévals (vers 13e et 14e siècles) étaient plus petits, avec moins de cordes (souvent quatre ou cinq cours).Ils étaient principalement utilisés pour accompagner les chansons et les danses.Les manuscrits de cette période, tels que le Robertsbridge Codex (vers 1360), contiennent quelques-unes des plus anciennes musiques luths survivantes.L'instrument était toujours en évolution et son rôle dans la musique était relativement modeste par rapport à ce qui allait se passer.

Principaux développements médiévaux

  • L'introduction de frettes:[ Les frettes de gueule attachées autour du cou ont permis une intonation plus précise et ont facilité le jeu de différents modes.
  • Cours simples pour doubler les cours:[ À la fin du Moyen Âge, les luténistes ont commencé à utiliser des paires de cordes (cours) à l'unisson ou octaves pour un plus grand volume et un plus grand maintien.
  • Systèmes de notation: Le développement de la tablature luth, une forme de notation indiquant les positions des doigts plutôt que les emplacements, a rendu l'instrument plus accessible et a conservé un vaste répertoire.

La Renaissance : Le Luth comme Roi des Instruments

La période Renaissance (environ 1400–1600) fut l'âge d'or du luth. L'instrument connut des raffinements de conception importants : un corps plus grand, des côtes plus larges, un cou plus large et un nombre accru de cours (habituellement de six à huit au XVIe siècle).Ces améliorations donnèrent au luth un son plus complet et plus résonant qui pourrait remplir une chambre ou une salle courtoise. Le luth devint l'instrument domestique le plus populaire, joué par des amateurs et des professionnels.

Compositeurs et luténistes de la Renaissance remarquable

Deux figures sont particulièrement importantes : John Dowland (1563–1626) et Francesco da Milano (1497–1543).Dowland, compositeur et luthiste anglais, a écrit quelques-unes des musiques les plus mélancoliques et les plus belles luthes jamais créées.Ses œuvres, telles que Lachimae[ et La grenouille Galliard, sont des pièces de base du répertoire. Francesco da Milano, souvent appelé =Il Divino, =a été célébré pour sa fantasie, un style libre et improvisateur qui a poussé les luths aux frontières expressives.

Le rôle du luth dans la société

Pendant la Renaissance, le luth était bien plus qu'un instrument de musique; il était un symbole d'éducation, de raffinement et de statut social. Dans de nombreux portraits de l'époque, les nobles sont représentés tenant ou jouant un luth, signifiant leur culture. L'instrument a été enseigné dans le cadre d'une éducation bien arrondie, en particulier aux jeunes femmes de la classe supérieure.

Construction de luths à la Renaissance

Les luths de la Renaissance ont été construits avec une planche à son d'épinette ou de sapin, et un dos fait de 7 à 15 côtes d'érable, d'ifs ou de bois de fruit. Le cou était généralement sculpté à partir d'un seul morceau de bois, et le pegbox incliné dos (souvent avec une courbe distinctive de -Swan-neck-.) Les cordes étaient faites de intestin, qui a produit un ton moelleux, légèrement respirant.

Le Répertoire : Fantasias, danses et chants

Le répertoire Renaissance luth est vaste. Des centaines de manuscrits et de livres imprimés survivent, contenant des milliers de pièces.

  • Fantasia et préludes: Des pièces de forme libre, souvent improvisationnelles qui ont mis en valeur l'habileté du joueur.
  • Danses: Pavans, galliards, allémandes et courantes, souvent appariés (doux).
  • Intabulations: Aménagements de la polyphonie vocale (motets, chansons, madrigales).
  • Des accompagnements de chants:[ De nombreuses chansons de luth anglaise (p. ex., Dowland] Flow my larmes) ont été imprimées avec de la tablature luth et une ligne vocale.
  • Des pièces comme -La Division Viol , ont été adaptées pour le luth, avec des divisions élaborées sur une basse au sol.

L'ère baroque : transformation et déclin

À l'entrée de la musique baroque (vers 1600-1750), le luth a fait face à la concurrence des instruments clavier tels que le clavecin, l'orgue et le clavichord, qui offraient une plus grande gamme dynamique, une clarté harmonique et un volume. Néanmoins, le luth n'a pas disparu. Il a évolué en de nouvelles formes – notamment le theorbo et archlute[ – qui ont étendu la gamme de basse et permis de jouer plus expressif. Ces instruments étaient essentiels dans l'opéra baroque et la musique de chambre.

Theorbo et Chitarrone

Le théorbe (également connu sous le nom de chitarrone dans l'usage antérieur) est un grand luth avec un cou prolongé portant plusieurs cordes de basse supplémentaires (diapasons) qui s'échappent du tableau de doigts. Ce dessin a permis au joueur de produire des notes de basse profondes et résonantes tout en maintenant la sonorité caractéristique du luth. Le théorbe est devenu l'instrument continuo standard aux côtés du clavecin au 17e siècle. Les compositeurs comme Claudio Monteverdi ont présenté le théorbe en évidence dans ses opéras, comme Orfeo (1607). L'archilute (une version plus petite avec des longueurs de cordes plus gérables) a été favorisée pour la musique solo et l'accompagnement de chansons.

Répertoires et compositeurs baroques de luth

Alors que la popularité du luth s'estompait, les compositeurs baroques continuaient à écrire pour lui, incorporant souvent sa musique dans des œuvres plus grandes. Johann Sebastian Bach a écrit plusieurs œuvres pour luth (ou luthe-harpsichord), y compris la Suite en G mineur (BWV 995), le Prélude en C mineur (BWV 999), et la Fugue en G mineur (BWV 1000). On discute de savoir si Bach a écrit ces œuvres pour un luth réel ou pour un hybride -luth-harpsichord (Lautenwerk), mais la texture luth est incomparable.

Parmi les autres lutins baroques importants, on peut citer Sylvius Leopold Weiss (1687–1750), un compositeur et virtuose allemand qui a écrit plus de 600 œuvres pour luth. Weiss était tellement connu que Bach lui-même a arrangé une de ses œuvres pour le clavier. Des lutistes français comme Robert de Visée et Denis Gaultier[ ont développé un style raffiné de préludes non mesurés et de suites de danse fortement influencés par l'esthétique baroque française.

Pourquoi le Lute a-t-il diminué

Plusieurs facteurs ont contribué au déclin des luths au XVIIIe siècle :

  • L'augmentation des instruments clavier: Le clavecin et le pianoforte précoce offrent une meilleure stabilité de réglage, un volume plus élevé et la capacité de maintenir les notes plus facilement.
  • Changements de goût musical :[ La préférence baroque pour les lignes de basse claires et les harmonies complexes était mieux servie par l'uniformité dynamique du clavecin.
  • Difficultés pratiques : Les lutes de nombreuses cordes (jusqu'à 13 cours) étaient difficiles à garder en phase, et sa construction fragile le rendait moins robuste que les instruments clavier.
  • Scissions sociales: Le luth était associé à des cours aristocratiques qui manquaient d'influence, tandis que les instruments clavier plus récents appelaient à la classe moyenne montante.

Construction et acoustique : la science du son de l'air

La compréhension de la construction de lutes explique ses qualités tonales uniques. Le dos vaulté (en fines bandes de bois courbées) crée une chambre qui ajoute chaleur et résonance sans poids excessif. Le soundboard, souvent sculpté avec une rose complexe, est conçu pour rayonner efficacement. Contrairement aux guitares modernes, les luths n'ont ni son ni brassage interne sous le pont; au contraire, le pont est collé directement au tableau sonore, transférant les vibrations de cordes plus uniformément.

Le choix des bois est crucial. L'épinette est le bois de tonalité préféré pour les tableaux sonores en raison de son rapport raideur-poids élevé. Le dos et les côtes sont souvent faits de bois dur comme l'érable, l'if ou le bois de rose, qui fournissent densité et réflectivité.

L'un des défis techniques auxquels les luthiers sont confrontés est la tension des cordes de l'intestin . Comme l'intestin s'étire et réagit à l'humidité, les luths nécessitent un réglage fréquent. Les luths baroques utilisent parfois des cordes de basse à wound fil pour améliorer la projection sans augmenter l'épaisseur.

La technique du joueur

La technique de luth consiste à arracher les cordes avec les bouts de doigts ou les ongles (selon le style musical). Les luthistes de la Renaissance utilisaient souvent une position droite --en-dessous -en-dessous , produisant un ton arrondi et articulé. Les joueurs baroques se sont déplacés vers une position -en-tête -en-tête , permettant une attaque plus nette et un contraste dynamique plus grand. La technique de gauche comprend -en-tête -en-tête (en utilisant l'index pour appuyer sur plusieurs cordes) et -en-têtes -en-tête (hammer-on et pull-off), semblable aux guitaristes modernes.

Le renouveau : 20ème et 21ème siècles

Après près de deux siècles d'obscurité, le luth connut un renouveau au début du XXe siècle. Le début du mouvement musical, défendu par des figures comme Arnold Dolmetsch, visait à faire de la musique à l'aide d'instruments d'époque et de techniques historiques. Luthiers commença à construire des répliques basées sur des instruments historiques et des traités originaux. Au milieu du XXe siècle, une nouvelle génération de luthistes émergea, dont Julian Bream (qui joua du luth à côté de la guitare), Eugen Dombois, et Anthony Rooley.

Aujourd'hui, le luth jouit d'une suite modeste mais dédiée. Les sociétés luthistes au Royaume-Uni, aux États-Unis, en Allemagne et au Japon favorisent la performance, la recherche et la construction.Lute Society of America (fondée en 1966) publie des revues et des ateliers.De nombreuses conservatoires proposent maintenant des études luths dans leurs départements de musique ancienne.

Organisations et ressources pertinentes

  • Lute Society of America – Une ressource complète pour les joueurs et les passionnés, avec des événements et des publications.
  • La Société de luth (UK) – Une des plus anciennes sociétés de luth, offrant des fac-similés, des revues et des ateliers.
  • Dolmetsch Online – Une vaste ressource pour la théorie de la musique ancienne, la notation et l'histoire des instruments.

L'héritage et l'influence sur la musique moderne

L'impact du luth s'étend bien au-delà de sa propre période. Sa influence sur la construction de guitare est indéniable; la guitare classique moderne empruntait la forme du corps du luth, le cou freté et la technique de la pince aux ongles. La musique de luth a également jeté les bases de développements ultérieurs dans la guitare de style acoustique (par exemple, John Renbourn, Bert Jansch) et la musique de folklore.

Le répertoire luth reste un trésor pour les musiciens et les publics. Il ne nécessite aucune traduction; la profondeur émotionnelle d'une pavane Dowland ou d'une sonate Weiss parle au fil des siècles. La renaissance de l'intérêt pour une performance historique a également fait la lumière sur les pratiques d'improvisation de l'époque, incitant les artistes modernes à expérimenter des ornements, des divisions et de l'extemporisation.

Le Lute en musique classique contemporaine

Quelques compositeurs contemporains ont écrit de nouvelles œuvres pour le luth, dont William Saylor, Bruno Coulais (pour les partitions de films), et Stephen Stubbs.Ces compositions mélangent souvent la technique traditionnelle du luth avec le langage harmonique moderne, gardant l'instrument vivant au 21ème siècle.

Conclusion : Un instrument intemporel

Le luth est bien plus qu'une curiosité historique. Son histoire reflète les changements culturels, sociaux et musicaux de plus d'un millénaire. De ses origines anciennes du Moyen-Orient à sa transformation du zénith et du baroque de la Renaissance, le luth a été un véhicule pour certaines des musiques les plus intimes et expressives jamais écrites. Son son délicat, technique exigeante et riche répertoire continuent de captiver les joueurs et les auditeurs aujourd'hui. Que ce soit entre les mains d'un spécialiste de la musique ancienne chevronné ou d'un amateur passionné, la voix luthiste reste aussi hantante et belle qu'elle l'était dans les cours d'Europe il y a des siècles.

Pour ceux qui souhaitent explorer plus loin, de nombreux enregistrements et des éditions de fac-similés de luth sont disponibles. Assister à un récital luth ou rejoindre un groupe local de musique ancienne peut fournir une expérience de première main de cet instrument extraordinaire endurant la magie.