La contrebasse, aussi appelée contrebasse, basse droite ou basse acoustique, est le plus grand instrument à cordes à arcs le plus bas de l'orchestre symphonique moderne. Sa voix profonde et résonante fournit la base harmonique et rythmique qui ancre un ensemble entier. Se tenant à environ six pieds de haut et accordé en quatrièmes (E1–A1–D2–G2), la contrebasse produit des fréquences qui peuvent être ressenties autant qu'entendu. Pourtant, malgré sa taille imposante, l'instrument est remarquablement agile, capable de chanter des mélodies lyriques, de conduire des solos de jazz et de produire des effets percussifs.

Origines et développement précoce

La contrebasse n'apparaît pas entièrement formée. Sa descendance remonte à deux familles d'instruments distinctes : la famille des viols et la famille des violons. Le premier prédécesseur direct est la violone (littéralement « grande viole »), un grand instrument de basse fretted utilisé au XVIe et au début du XVIIe siècle pour doubler la ligne de basse en ensembles. Violones a généralement six cordes avec accord en quatrième et en troisième, et elles sont jouées verticalement entre les jambes. En même temps, le violon de basse, un membre de la famille des violons a accordé une octave sous le violoncelle, est construit par les premiers luthiers dans le nord de l'Italie, en particulier à Brescia et Cremona.

La transformation du violon de violon et de basse en contrebas moderne a été progressive et inégale. Gasparo da Salò (1540–1609) et Giovanni Paolo Maggini (1580–1632) de Brescia sont crédités de certains des premiers instruments survivants qui ressemblent à la contrebasse. Ces instruments ont généralement trois cordes plutôt que quatre, un dessin d'épaule en pente hérité de la famille viol, et un doigt sans fretless. Au cours du siècle prochain, des luthiers comme Antonio Stradivari (1644–1737) et des membres de la famille Guarneri ont également construit des basses, souvent à des ordres personnalisés qui varient en taille, forme et nombre de cordes.

Au XVIIIe siècle, la contrebasse devient un membre régulier de l'orchestre, mais la normalisation est encore loin. De nombreuses régions développent leurs propres variantes locales: la basse viennoise avec un dos courbé, la basse italienne avec un dos plat, et l'allemand Kontrabass avec un contour de corps différent. L'arc lui-même est également en flux: l'arc allemand (gross) a évolué à partir de l'arc de basse viole, tandis que l'arc français (grossissement) a été adapté à partir de l'arc de violoncelle au début du XIXe siècle et est maintenant largement préféré pour son contrôle et son articulation.

Pour plus d'informations sur l'histoire du début, voir la chronologie complète à Wikipedia: Histoire de la Double Basse.

Les changements de conception au fil des ans

Du 17ème au 21ème siècle, la contrebasse a subi une série continue de raffinements en matériaux, géométrie et matériel. Les changements de conception les plus importants sont:

  • Forme et taille du corps: Les premières basses avaient des contours nettement différents, souvent avec des épaules inclinées et un dos plus arrondi. À la fin du XVIIIe siècle, la forme maintenant familiale "figure-8" avec des becs en C est devenue standard, bien que les formes de l'épaule varient (de pente à style vénitien). La taille de l'instrument a également augmenté: d'une longueur typique de fil d'environ 104 cm au XVIIIe siècle à 110–115 cm aujourd'hui, permettant une tension et un volume de corde plus grands.
  • Plaque et cou: Les panneaux de doigts précoces étaient courts et ne s'étendaient pas au-delà du corps. Les panneaux de doigts modernes atteignent bien au-delà de la table de son, permettant des positions plus élevées. L'angle du cou a également été ajusté pour augmenter l'angle de corde sur le pont, améliorant la projection.
  • Les cordes: Les cordes de gut étaient la norme jusqu'au 19ème siècle. Elles produisaient des tons chauds et complexes mais manquaient de volume et de stabilité. L'introduction de cordes d'intestin métal-wound (en argent ou en cuivre) au milieu du 19ème siècle a augmenté la durabilité et la luminosité. Au début du 20ème siècle, les cordes en acier sont devenues communes dans les orchestres, offrant une projection beaucoup plus grande, un terrain cohérent et une durabilité.
  • Évolution de la tige: L'arc allemand, avec sa grenouille tenue sous la main, fournit plus de puissance et est favorisé pour jouer en orchestre, surtout en Europe centrale. L'arc français, tenu sous la main comme un arc violoncelle, offre une plus grande facilité pour les passages rapides et est commun dans les contextes solo et jazz.
  • Sonne post et barre basse: Les ajustements au brasage interne – le poteau sonore et la barre basse – ont permis aux luthiers d'optimiser l'équilibre, le volume et la réponse tonales.

Il n'existe pas de modèle « standard » ; chaque instrument est une combinaison unique de bois (support d'épices, dos et côtés d'érable), de vernis et de choix de construction. Les luthiers haut de gamme comme ceux de Upton Bass continuent à mélanger des méthodes traditionnelles avec la recherche acoustique moderne.

Le rôle de la Double Basse dans les orchestres

Dans l'orchestre, la section de contrebasse (généralement de 4 à 10 joueurs) sert de base au chœur à cordes et double souvent la ligne de violoncelle d'une octave inférieure. Son rôle a évolué de façon spectaculaire de l'époque baroque à nos jours.

Périodes baroques et classiques

Au cours des XVIIe et début du XVIIIe siècle, la contrebasse était principalement un instrument continuo, jouant la ligne de basse – souvent réalisée par le violoncelle et le clavecin – et renforçant la structure harmonique. Des compositeurs comme Johann Sebastian Bach et George Frideric Handel ont écrit des pièces rarement indépendantes du violoncelle. Cependant, à mesure que les orchestres grandissaient, le besoin d'une fondation de basse clairement audible a conduit à l'utilisation plus fréquente de la contrebasse.

À la période classique (fin du XVIIIe siècle), les compositeurs commencèrent à donner des passages solos occasionnels à la contrebasse. Mozart écrivit un célèbre obbligato pour contrebasse dans le troisième mouvement de son "A Musical Joke" (K.522), et Haydn exigeait souvent des basses pour jouer des figures plus rapides. Le développement du style récitatif en opéra mettait aussi en évidence le potentiel dramatique de la basse.

Ére romantique et au-delà

Le 19e siècle fut un âge d'or pour la contrebasse de l'orchestre. Ludwig van Beethoven élargit son rôle dans ses symphonies. Dans l'ouverture de la Symphonie No 5, les basses jouent un motif rythmique crucial, et dans la Symphonie No 9, elles ont de longs passages soutenus qui ancrent le son massif. Giovanni Bottesini, la Paganini de la contrebasse, , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Aux 20e et 21e siècles, les compositeurs exploitent de plus en plus la contrebasse de toute la gamme et les possibilités timbrales. Krzysztof Penderecki et Iannis Xenakis ont utilisé des glissandi, des clusters et des effets microtonaux.

Techniques et styles de jeu

La contrebasse est capable d'une extraordinaire palette de sons. Les joueurs maîtrisent les techniques fondamentales – arco (bowing) et pizzicato (plucking) – et utilisent également des méthodes spécialisées pour la couleur et l'effet.

  • Arco:[ Les techniques de bowing comprennent détaché (coups séparés), legato (smooth, connecté), spiccato (courbe en rebond), et sautilelé (découpe contrôlée).La vitesse, la pression et le point de contact de l'eau (entre le tableau de doigts et le pont) forment la tonalité.
  • Pizzicato: Dans la musique classique, le pizzicato est souvent utilisé pour les accents percussifs ou les grooves rythmiques. Dans le jazz et la musique populaire, le pizzicato est la technique principale, avec des joueurs utilisant un style de marche (alternance avec le pouce) pour les lignes de basse swing.
  • Base à la planche: Technique dérivée du jazz et du rockabilly précoces, où la corde est tirée du tableau de doigts et se retourne contre elle, produisant une attaque percussive. Il a été célèbrement utilisé par des bassistes comme Willie Dixon et Mark Rubel.
  • Harmoniques: Les harmoniques naturelles (touchant la corde aux points nodaux) produisent des tons éthérés, comme des flûtes. Les harmoniques artificielles (arrêtant la corde d'un doigt et touchant un quatrième ou un cinquième au-dessus) permettent des mélodies à haut registre.
  • Col legno, sul ponticello et sul tasto: Ces techniques d'amorçage produisent des timbres inhabituels: frapper les cordes avec le bois de l'arc (col legno), s'incliner près du pont pour un son glacé et surtonné (sul ponticello), ou sur le doigt pour un ton musqué et respirant (sul tasto).
  • Muting: L'utilisation d'un mute (un petit dispositif en caoutchouc ou en bois sur le pont) s'assombrit et adoucit le son, utilisé largement dans les passages orchestraux pour un personnage mystérieux ou dolce.

De nombreuses sections de basse orchestrale emploient également des disvisi – en répartissant la section en plusieurs parties indépendantes – pour fournir une profondeur harmonique sans surcharger l'ensemble.

Innovations modernes et tendances futures

Bien que la contrebasse soit un design séculaire, l'innovation se poursuit dans les sciences des matériaux, l'électronique et l'ergonomie.

  • Instruments en fibre de carbone:[ Des marques comme Luis et Clark et Ithaca String Instruments produisent des contrebasses en fibre de carbone composite. Ces instruments sont extrêmement durables, résistants aux variations d'humidité et de température, et pèsent beaucoup moins que les basses en bois, un avantage important pour les musiciens itinérants. Ils offrent également un ton et une projection cohérents, bien que certains joueurs les trouvent moins sensibles que les instruments en bois fins.
  • Les EUBs électriques à basse droite (EUBs): utilisent un corps solide ou semi-hollow avec des pick-up électromagnétiques, permettant une connexion directe aux amplificateurs et aux effets. Ils sont communs dans les paramètres jazz, pop et rock, et sont beaucoup plus faciles à transporter (beaucoup sont pliables).
  • 5-chaîne et basses à 6 cordes: Certains luthiers et joueurs expérimentent des cordes supplémentaires pour étendre la portée vers le bas (basse B) ou vers le haut (haute C ou au-delà). La contrebasse à 5 cordes (B–E–A–D–G) est de plus en plus courante dans les sections d'orchestre pour des notes basses étendues dans les partitions du 20e siècle.
  • Systèmes de préampli et de pickup :[ De nombreux joueurs orchestraux utilisent maintenant des systèmes de pick-up intégrés (piézo, magnétique ou microphone) pour amplifier la basse dans les grandes salles sans rétroaction.
  • Des conceptions ergonomiques: Des cols minces, des goujons réglables et des ponts inclinés visent à réduire la fatigue des joueurs. Certaines basses modernes sont construites avec un espacement plus étroit des cordes pour accueillir les petites mains.
  • Sustainability:[ Les préoccupations concernant l'utilisation de bois de toner en voie de disparition (en particulier Pernambuco pour les arcs et le bois de rose brésilien pour les tableaux de doigts) ont stimulé la recherche sur les matériaux alternatifs et la foresterie durable.

La Double Basse Au-delà du Classique

Peu d'instruments ont franchi les frontières du genre aussi bien que la contrebasse. Bien que son rôle orchestral soit fondamental, son adoption dans d'autres traditions a façonné son design et sa technique.

Jazz

La contrebasse est l'épine dorsale de la section rythmique jazz. Des pionniers comme Jimmy Blanton (Duke Ellington="s bassist) ont transformé l'instrument d'un chronométreur en une voix solo mélodique à la fin des années 1930. Oscar Pettiford[, Charles Mingus[, et Paul Chambers ont élargi les possibilités harmoniques et l'agilité technique. Dans le jazz moderne, des joueurs comme Christian McBride et ]Esperanza Spalding combinent la technique de l'arc tuosique avec des lignes de basse, des doubles arrêts et des harmoniques étendues.

Rockabilly, Blues et Country

Dans les années 1950, la technique de la basse gifle devient emblématique en rockabilly, avec des joueurs comme Bill Black (Elvis Presley=s bassiste) et Marshall Lytle (Bill Haley & His Comets) produisant des motifs percussif et rythmiques qui ont conduit tôt rock et roll. Blues et musiciens folkloriques utilisent également la basse droite pour sa chaleur acoustique et sa présence visuelle.

Musiques folkloriques et du monde

La contrebasse est maintenant courante dans les groupes folk, celtique et bluegrass (bien que la guitare acoustique soit parfois préférée pour la portabilité). Son support profond fournit une base riche pour les airs de violon et les ballades. Dans certaines traditions de musique du monde, comme le tango (Argentine) et le fado (Portugal), la contrebasse fait partie intégrante du son de l'ensemble, jouant souvent des lignes syncopées et mélodiques.

Film et musique populaire

La contrebasse ajoute poids et sérieux aux partitions du film, en pensant au motif emblématique à deux notes dans "Jaws" (John Williams) ou aux petits grognements dans "The Dark Knight" (Hans Zimmer). Dans la musique populaire, la contrebasse a été présentée par des artistes de Paul McCartney (qui joue une basse vintage Höfner, mais aussi utilisé debout sur certains titres) pour des actes expérimentaux comme Joanna Newsom et Radiohead.

Conclusion

Depuis ses débuts en tant que violone à trois cordes jusqu'à nos jours, la contrebasse a évolué pour répondre aux exigences de styles musicaux changeants, d'espaces de performance et d'attentes des joueurs. Son son profond et inébranlable ancre les orchestres et les combos de jazz, tandis que ses capacités expressives remettent en question la notion de taille limite l'artistique. La contrebasse reste un instrument de tradition et d'innovation – un artefact vivant de siècles de compétences, de sciences et de passion.