Frühe Jahre und Gründung

Das Museum of Modern Art (MoMA) öffnete seine Türen am 7. November 1929, nur neun Tage nach dem Wall Street Crash des Jahres. Dieses Timing, das ein weniger ehrgeiziges Unterfangen hätte zum Scheitern bringen können, unterstrich stattdessen die Mission der Institution, eine radikale, zukunftsweisende Vision inmitten von Unsicherheit zu bieten. MoMA war die Idee von drei prominenten Philanthropen - Abby Aldrich Rockefeller, Lillie P. Bliss und Mary Quinn Sullivan -, die den starren, historischen Fokus bestehender New Yorker Museen in Frage stellen wollten. Sie stellten den jungen Alfred H. Barr Jr. als ersten Direktor des Museums ein und gaben ihm ein außerordentlich breites Mandat: das "Moderne" in jedem visuellen Medium zu sammeln und auszustellen, von Malerei und Skulptur bis hin zu Fotografie, Film, Architektur und Design.

Barrs Gründungsvision wurde berühmt auf einer Serviette dargestellt, eine Grafik, die zeigt, wie moderne Kunstbewegungen wie Kubismus, Surrealismus und Abstrakter Expressionismus sich von post-impressionistischen Wurzeln abwenden würden. Diese konzeptionelle Klarheit leitete die frühen Akquisitionen des Museums. In seinem ersten Jahrzehnt veranstaltete das MoMA wegweisende Shows wie "Cézanne, Gauguin, Seurat, van Gogh" (1929) und "Fantastic Art, Dada, Surrealism" (1936–1937). Diese Ausstellungen führten das amerikanische Publikum in europäische Avantgardebewegungen ein, die von etablierten Institutionen weitgehend ignoriert worden waren. Die frühe Sammlung des Museums betonte auch Werke, die technische und konzeptionelle Grenzen überschritten haben - Piassos Les Demoiselles d'Avignon (erworben 1937) und van Goghs Die Sternennacht (erworben 1941) wurden zu Eckpfeilern, die die Identität des MoMA als risikofreudige, kanonbildende Kraft definierten

In dieser ersten Ära spielte das MoMA auch eine Vorreiterrolle beim Sammeln und Bewahren von Werken auf Papier, Drucken und illustrierten Büchern. Barrs Beharren auf der Einbeziehung von Fotografie und Film als bildende Kunst unterschied das MoMA von Wettbewerbern; das Museum gründete 1940 die erste kuratorische Abteilung für Fotografie und 1935 die Filmbibliothek (heute Filmabteilung) lange bevor solche Medien im Kunst-Museum-Kontext akzeptiert wurden. Diese frühen Entscheidungen legten den Grundstein für den Ruf des MoMA als ein umfassendes Museum für moderne visuelle Kultur, nicht nur für Malerei und Skulptur.

Architekturentwicklung

Der physische Fußabdruck des MoMA hat sich als Reaktion auf seine wachsende Sammlung und sein Publikum immer wieder erweitert und verändert. Das erste Haus des Museums befand sich in Mieträumen im Heckscher Building in der Fifth Avenue. 1932 war es in ein Stadthaus in der 11 West 53rd Street gezogen. Als die Besucherzahlen stiegen und die Sammlungsambitionen zunahmen, erkannte das Board die Notwendigkeit einer speziell gebauten Einrichtung.

1939 Goodwin-Stone Gebäude

Das erste gewidmete Gebäude des Museums, das 1939 fertiggestellt wurde, wurde von den Architekten Philip L. Goodwin und Edward Durell Stone entworfen. Goodwin war ein MoMA-Treuhänder und Stone ein aufstrebender Modernist. Ihr Design - eine elegante, weiße Marmorfassade mit einer dramatischen Glasvorhangwand auf Straßenebene - setzte einen neuen Standard für die Museumsarchitektur in den Vereinigten Staaten. Der Eingang zeigte einen versunkenen Skulpturengarten (später in Abby Aldrich Rockefeller Sculpture Garden umbenannt), der zu einem ikonischen Versammlungsraum wurde. Die offenen Galerien des Gebäudes, flexible Beleuchtungssysteme und spezielle Räume für Filmvorführungen und temporäre Ausstellungen ermöglichten es dem MoMA, die Art von ehrgeizigen, interdisziplinären Shows zu inszenieren, die Barr verfochten hatte.

Die 1950er und 1960er Jahre Erweiterungen

In den 1950er Jahren war das MoMA seinem Gebäude von 1939 entwachsen. 1953 eröffnete das Museum einen Ostflügel, der von Philip Johnson entworfen wurde, um Galerien und ein neues Restaurant zu schaffen. Johnsons Design behielt die klaren Linien des Originals bei, führte aber intimere Galerien ein, die auf den Maßstab moderner Gemälde zugeschnitten waren. Eine Renovierung von 1964 fügte einen neuen Westflügel hinzu und erweiterte den Skulpturengarten. Diese Erweiterungen führten zu einem etwas labyrinthischen Layout, das Kritiker unzusammenhängend fanden. Trotzdem ermöglichten sie dem MoMA, mit dem Nachkriegsboom im Kunstsammeln und der wachsenden Popularität moderner Kunst Schritt zu halten.

Die Renovierung von Taniguchi 2004

Ende der 1990er Jahre waren die Einrichtungen des MoMA für seine umfangreiche Sammlung und die steigenden Erwartungen der Besucher unzureichend geworden. 1997 kündigte das Museum eine umfassende Erweiterung und Renovierung an, die vom japanischen Architekten Yoshio Taniguchi geleitet wurde. Taniguchis Entwurf, der 2004 fertiggestellt wurde, verdoppelte den Galerieraum des Museums fast, fügte ein neues Bildungszentrum hinzu und schuf ein dramatisch offenes, lichtdurchflutetes Atrium, das die unteren Stockwerke mit den oberen Galerien verbindet. Die Renovierung organisierte auch die Umlaufbahnen neu, so dass die Besucher die Sammlung in einem chronologischen Fluss erleben konnten, vom Ende des 19. Jahrhunderts bis zur Gegenwart. Während einige den Verlust der Intimität der ursprünglichen Fassade von 1939 beklagten, gewann Taniguchis Schema breites Lob für seine Zurückhaltung und Klarheit, so dass die Kunst im Mittelpunkt stand.

Die Erweiterung 2019 von Diller Scofidio + Renfro

Im Oktober 2019 hat das MoMA seine jüngste und kühnste Erweiterung, die von Diller Scofidio + Renfro in Zusammenarbeit mit Gensler entworfen wurde, abgeschlossen. Dieses 450-Millionen-Dollar-Projekt hat mehr als 40.000 Quadratmeter Galeriefläche hinzugefügt, einen neuen Eingang auf Straßenebene in der West 53rd Street geschaffen und den East Campus des Museums mit seinem West Campus verbunden. Die Renovierung 2019 zielte auch darauf ab, die ständige Sammlung in einer integrativeren, weniger chronologischen Weise neu zu gestalten. Galerien mischen jetzt Werke aus verschiedenen Epochen, Medien und Künstlern, um thematische Dialoge zu schaffen - zum Beispiel, indem sie eine Gordon Parks-Fotografie mit einem Frida Kahlo-Gemälde und einer Louise Bourgeois-Skulptur kombinierten Die Erweiterung fügte auch einen eigenen Raum für Live-Aufführungen hinzu und eine "Kunstbucht" im Erdgeschoss mit kostenlosen, sich ständig verändernden Installationen von der Straße aus sichtbar. Diese neueste Iteration spiegelt das anhaltende Engagement des MoMA wider, das Museumserlebnis zu überdenken und Kunst einer breiteren Öffentlichkeit zugänglich zu machen.

Kuratorial- und Sammlungsverschiebungen

Die Sammlungs- und Kuratorialpraktiken des MoMA haben sich dramatisch entwickelt und sich von einem relativ engen Fokus auf die europäische Moderne zu einem globalen, multimedialen und integrativen Ansatz entwickelt.

Erweiterung über Malerei und Skulptur hinaus

Alfred Barr hatte das MoMA schon immer als Museum der gesamten modernen visuellen Kultur gesehen, aber in den frühesten Jahrzehnten war die Sammlung von Malerei und Skulptur dominiert. Unter den nachfolgenden Direktoren - René d'Harnoncourt (1949–1967), Richard E. Oldenburg (1972–1993) und Glenn D. Lowry (1995–heute) - baute das Museum systematisch bedeutende Bestände an Fotografie, Film, Architektur und Design sowie Drucken und illustrierten Büchern. Das 1932 gegründete Department of Architecture and Design beherbergt heute ikonische Objekte wie Frank Lloyd Wrights Architekturmodelle und Charles und Ray Eames' geformte Sperrholzstühle. Die Filmsammlung des Museums, eine der größten, umfasst über 30.000 Filme und 4 Millionen Filmstills. In den 1970er Jahren hatte das MoMA Performance-Kunst und Video in sein Programm integriert und frühe Werke von Nam June Paik, Joan Jonas und Marina Abramović präsentiert.

Aufnahme von unterrepräsentierten Künstlern

Jahrzehntelang wurde das MoMA – wie die meisten großen amerikanischen Museen – wegen seines überwiegend weißen männlichen europäischen und amerikanischen Fokus kritisiert. Das Museum begann in den 1990er und 2000er Jahren, sich aktiv mit diesem Thema zu befassen, indem es Werke von Künstlerinnen, Künstlern der Farbe und Künstlern aus dem globalen Süden erwarb. Bemerkenswerte Meilensteine waren die 2015 große Ausstellung „Björk“, die erste große Museumsausstellung, die einer weiblichen Popmusikerin gewidmet war; die 2017-2018 „Adrian Piper“ Umfrage; und der 2019 Rehang, bei dem Werke von Faith Ringgold, Betye Saar und Kerry James Marshall neben kanonischen modernistischen Stücken platziert wurden. 2019 kündigte das MoMA auch ein großes Geschenk der Ronald O. Perelman Foundation an, um den Erwerb von Werken von unterrepräsentierten Künstlern zu unterstützen. Diese Veränderungen sind im Gange, mit einem neuen Engagement für die Diversifizierung der kuratorischen Mitarbeiter und Beiräte.

Thematische und interdisziplinäre Kuratierung

Der Rehang 2019 markierte eine Verschiebung von einer rein chronologischen Erzählung zu einem thematischeren, interdisziplinären Ansatz. Galerien präsentieren nun Paarungen wie „Modernistische Abstraktion und die maschinelle Ästhetik“ (mit Stücken von László Moholy-Nagy und Georgia O’Keeffe) oder „The Body in Performance“ (ausrichten Yayoi Kusamas Infinity Mirror Room mit frühen Videoarbeiten von Trisha Brown). Diese kuratorische Strategie spiegelt einen breiteren Trend in der Kunstgeschichte wider, lineare Progressionen zu hinterfragen und zu zeigen, wie Künstler verschiedener Epochen und Kulturen mit ähnlichen Ideen umgehen. Es ermöglicht dem MoMA auch, mehr von seiner Sammlung gleichzeitig zu zeigen - das Museum dreht jetzt Werke häufiger, um eine größere Sichtbarkeit für seine massiven Bestände zu gewährleisten.

Öffentliches Engagement und Bildung

Das öffentliche Programm des MoMA hat sich von einer Handvoll Galeriegesprächen und Vorträgen zu einer Vielzahl von Initiativen entwickelt, die ein vielfältiges Publikum ansprechen, von Schulkindern bis hin zu lebenslangen Lernenden.

Bildung und Gemeinschaftsprogramme

Die 1932 gegründete Bildungsabteilung des Museums war eine der ersten in einem Kunstmuseum. Heute bietet das MoMA kostenlose Online-Kurse (wie "Moderne Kunst & Ideen" und "Durch Fotografien sehen") über Coursera an und erreicht Millionen von Lernenden weltweit. Im Museum selbst fördern Programme wie "Kunst für Familien" und "MoMA Teens" die Kreativität. Die "Access-Programme" bieten spezielle Touren und Aktivitäten für Besucher mit Sehbehinderungen, Hörverlust oder Demenz. MoMA arbeitet auch mit öffentlichen Schulen in New York City zusammen, um Studenten in das Museum zu bringen und Kunst in die Lehrpläne zu integrieren.

Ticketing und Accessibility Innovationen

2013 führte das MoMA eine neue Aufnahmerichtlinie ein, die es den Besuchern ermöglichte, einen „Pay what you wish“-Eintrag zu wählen (obwohl der Standardeintritt unverändert blieb). Dies war Teil einer breiteren Anstrengung, das Museum zugänglicher zu machen. Die Erweiterung 2019 fügte eine kostenlose Galerie mit dem Namen „Free Art Bay“ hinzu, die rotierende Arbeiten zeitgenössischer Künstler vom Bürgersteig aus zeigt. Das Museum bietet auch jeden Freitagabend freien Eintritt für alle Besucher, gesponsert von UNIQLO. Diese Initiativen haben zu einer Rekordbeteiligung beigetragen: Das MoMA begrüßte im Geschäftsjahr 2019 über 3,5 Millionen Besucher.

Technologische Integration und digitale Expansion

Das MoMA ist führend unter den Museen bei der Einführung digitaler Tools für interne Operationen und öffentliches Engagement. Das Museum startete 1995 seine erste Website, eine der frühesten einer großen Kunstinstitution. Heute umfasst die digitale Präsenz des MoMA eine umfassende Online-Sammlungsdatenbank, virtuelle Touren und ein wachsendes Angebot an rein digitalen Ausstellungen.

Online-Sammlung und digitale Archive

Die Online-Sammlung des MoMA – verfügbar unter moma.org/collection – enthält Informationen zu mehr als 200.000 Werken mit hochauflösenden Bildern für viele. Die Website umfasst wissenschaftliche Essays, Künstlerbiografien und kontextbezogene Notizen. Das Museum hat auch seine umfangreichen Archive mit Ausstellungsgeschichten, Pressemitteilungen und Installationsfotos digitalisiert, so dass sie über ein spezielles Portal durchsuchbar sind. Dieses Engagement für Open Access passt zu breiteren Trends im Museumsbereich hin zu Transparenz und wissenschaftlicher Weitergabe.

Digitale Ausstellungen und Social Media

Während der COVID-19-Pandemie beschleunigte das MoMA seine digitale Programmierung und startete virtuelle Ausstellungen wie „Joël Robuchon: Die Kunst der kulinarischen Schöpfung und eine Reihe von Instagram-Übernahmen von zeitgenössischen Künstlern. Die Social-Media-Kanäle des Museums (YouTube, Instagram, Twitter) bieten nun einen stetigen Strom von Kuratorgesprächen, Künstlerinterviews und Inhalten hinter den Kulissen. Der YouTube-Kanal des MoMA mit über 700.000 Abonnenten bietet Videos, die alles von der Erhaltung von Pollocks Nummer 31, 1950 bis zur Gestaltung der neuen Beschilderung des Museums erkunden. Diese digitalen Erweiterungen stellen sicher, dass das MoMA ein Publikum außerhalb von New York City erreicht und seine Mission erfüllt eine globale Institution.

Zukünftige Richtungen

Die Führung des MoMA unter Direktor Glenn D. Lowry (heute der dienstälteste Direktor in der Geschichte des Museums) hat die Institution für die weitere Transformation positioniert. Zu den wichtigsten Prioritäten für das kommende Jahrzehnt gehören Nachhaltigkeit, weitere Diversifizierung der Sammlung und des Personals sowie die Vertiefung des Engagements der Gemeinschaft.

Nachhaltigkeit und Umweltpolitik

Das MoMA hat sich verpflichtet, seinen CO2-Fußabdruck im Jahr 2020 zu reduzieren, indem es den Klimapakt für Museen unterzeichnet hat und sich einer Koalition von Institutionen angeschlossen hat, die sich verpflichten, die Emissionen bis 2030 um 50% zu senken. Das Museum hat bereits energieeffiziente LED-Beleuchtung in allen Galerien installiert und nachhaltige Praktiken in seinen Schifffahrts- und Konservierungsabteilungen eingeführt. Eine geplante Photovoltaik-Anlage auf dem Dach der Erweiterung 2019 wird einen Teil des Energieverbrauchs des Gebäudes kompensieren. MoMA nutzt auch sein Ausstellungsprogramm, um Umweltthemen hervorzuheben, wie die 2022-2023-Show "Das Klima in unseren Händen", die mit dem Museum der Erde ko-kuratiert wurde.

Vielfalt und Inklusion vertiefen

Die Neuauflage des MoMA 2019 und die nachfolgenden Akquisitionen haben das Engagement des Museums für einen erweiterten Kanon deutlich gemacht. Zukünftige Pläne beinhalten einen speziellen Fonds für die Erhaltung von Werken indigener Künstler, eine Partnerschaft mit dem Studio Museum in Harlem, um kuratorische Expertise zu teilen, und ein Residenzprogramm für Künstler der Farbe, um ortsspezifische Werke zu schaffen. Das Museum arbeitet auch daran, die Vielfalt seiner Mitarbeiter zu erhöhen; Ab 2023 waren etwa 40% der kuratorischen Mitarbeiter Menschen der Farbe, gegenüber 20% im Jahr 2015.

Neue Partnerschaften und globale Reichweite

Das MoMA baut seine globale Präsenz durch Wanderausstellungen und Kooperationen weiter aus. Das Museum pflegt eine langjährige Partnerschaft mit dem M+ Museum in Hongkong und startete 2022 eine mehrjährige gemeinsame Initiative mit dem Museum of Modern Art in Warschau, um Werke aus Mittel- und Osteuropa zu teilen. Im Inland bringt MoMAs Programm “MoMA at the Movies” unabhängige und klassische Filme an Veranstaltungsorten in den Vereinigten Staaten. Diese Partnerschaften spiegeln eine strategische Verschiebung hin zu kulturellem Austausch wider, anstatt einfach zu expandieren.


Die 90-jährige Reise des Museum of Modern Art von einer kleinen experimentellen Galerie zu einer weitläufigen, weltweit einflussreichen Institution spiegelt die Veränderungen in Kunst und Kultur wider, die es dokumentiert hat. Jede Phase - Gründung, architektonische Neuerfindung, kuratorische Erweiterung, digitale Adoption und Zukunftsplanung - war von der Bereitschaft geprägt, Annahmen zu hinterfragen und das Neue anzunehmen. Die Transformation des MoMA ist noch lange nicht abgeschlossen; Mit der Entwicklung der Kunst selbst wird auch das Museum, das immer danach strebte, seine "moderne" Heimat zu sein.